music is what life sounds like

#57 Neu auf den Ohren: My Sister Grenadine - Subtitles & Paper Planes

2010-09-23T19:23:00.007+02:00

Bei Musik aus Deutschland denke ich für gewöhnlich mit einigem Grauen an sogenannte "Künstler" wie Rosenstolz, Ich & Ich, Xavier Naidoo usw. Dass es aber auch gute Musik diesseits der Grenzen gibt, beweist Vincenz Kokot, alias My Sister Grenadine. Wurde das Debutalbum im Jahr 2008 bereits mit viel Lob überhäuft und als neue Singer/Songwriter-Hoffnung deklariert, ist der Zweitling noch einmal ein großer Schritt nach vorn. "Subtitles & Paper Planes" ist ein in zwei Hälften geteiltes Werk geworden. Zum einen ein zauberhaftes akustisches Album unter Trio-Besetzung mit Ukulele, Geige, Glockenspiel und Trompete. Zum anderen ein Album mit verschachtelten Klängen von E-Gitarre, Beats und Synthesizern. Was hier nun sehr gegensätzlich klingt, wirkt in Form eines Doppelalbums in Ergänzung zueinander aber durchaus stimmig. Wie ein roter Faden zieht sich Kokot’s warme, an Sufjan Stevens erinnernde Stimme durch die beiden Teile. Die Musik wirkt zeitweise so zart und fragil, dass sich erst nach mehrmaligem Hören vollständig im Gehör festigt. Ein Album also, für das man sich Zeit nehmen sollte und es sich wie ein gutes Essen in all seinen Nuancen langsam auf der Zunge zergehen lassen sollte. Demjenigen, der diesem Rat folgt, werden sich traumhafte neue Klangwelten öffnen.
Anspieltipps: "Shine In The Dark", "At Night I Fall Asleep", "Snapshot Song".

My Sister Grenadine auf Myspace.

Und ein sehr hübsches Video:

#56 Neu auf den Ohren: Wovenhand - The Threshingfloor

2010-05-21T16:42:00.005+02:00

Pünktlich nach zwei Jahren meldet sich David Eugene Edwards mit einem neuen Album zurück. Zuerst im Alleingang unter dem Namen Wovenhand unterwegs, mittlerweile wieder als vollwertige band vereint, versammelte das Ex-Gehirn von Sixteen Horsepower seine Mitspieler (oft gerne als Jünger bezeichnet), bestehend aus seinem ebenfalls Ex-Sixteen Horsepower Bassisten Pascal Humbert und Schlagzeuger Ordy Garrison.

Nun gibt es also mittlerweile das fünfte Vollalbum des Wanderpredigers, dem vom Teufel Verfolgten Propheten, dem Rastlosen Missionar oder weiß Gott was noch alles, das dem Mann gerne anassoziiert wird. Tatsache ist, dass er als Persönlichkeit definitiv eine wahrhaftige Erscheinung ist, seine Texte von tiefem Glauben geprägt, live wirkt er des Öfteren, als würde er am liebsten das Publikum zu Asche zerfallen lassen, während er selbst sich geradezu in Trance spielt. Nicht weniger mystisch ist logischerweise die Musik des Herrn Edwards, der sämtliche Saiteninstrumente bis zur Perfektion beherrscht und mit deren Hilfe überwiegend düstere, bedrohlich brodelnde Klanggebilde webt. Hinzu kommt noch diese Stimme, unverkennbar, die oft klingt, als sänge nicht ein Mensch, sondern gleich mehrere, irgendwie verstörend und doch auch wie ein Halt, während rundherum der (musikalische) Sturm tobt. Was nun aber auf dem neuen Werk doch auffällt: Edwards klingt deutlich entspannter. Kam der Vorgänger gehetzt und eher verkrampft zusammengewürfelt vor, so ist The Threshingfloor relativ relaxt - sofern sich das für Edwards sagen lässt. Überwiegend akustisch gehaltene Nummern dominieren das Album, es kommen Klavier und Flöten zum Einsatz und die Melodien sind insgesamt nicht mehr ganz so düster, wie gewohnt. Es wird sogar ein wenig mit orientalischen Klängen herumexperimentiert und vielen Ideen mehr Raum gelassen, sich zu entwickeln. Oft entfalten die Songs eine geradezu hypnotische Wirkung, man möchte sie wieder und wieder hören. Hinzu kommt noch, dass das Album auch klanglich ein Erlebnis ist. The Threshingfloor enthält zwölf Lieder, davon sind zehn Edwards’ Eigenkompositionen, eine von Pascal Humbert und eine Coverversion von New Order’s „Truth“. Ich glaube, es ist eines dieser Alben, das man entweder liebt oder hasst. Ich für meinen Teil liebe es. Deshalb 10 Sterne.

Da die Myspaceseite absolut nichts hergibt, verzichte ich ausnahmsweise mal auf den Link und biete euch stattdessen ein Liveviedeo. Etwas wacklig, aber man bekommt immerhin einen kleinen Einblick...

#55 Neu auf den Ohren: Erland & The Carnival - Erland & The Carnival

2010-03-30T19:17:00.010+02:00

Und noch mehr tolle Musik aus London. Von den Orkneys stammender Folk-Musiker Erland Cooper plus Simon Tong, ex The Verve, Blur, The Good, The Bad & The Queen, plus Schlagzeuger David Nock ergibt: Erland & The Carnival. Heraus kommt ein Sound, der von jedem seiner Bandmitglieder deutlich geprägt ist, den ich mal grob als psychedelischen Folk-Rock bezeichnen möchte. Hinter der Zuordnung verbirgt sich aber eine solche Fülle an Ideen und Stilrichtungen, dass mir zu Ende des Albums beinahe der Kopf qualmt. Mal fühlt man sich an Country-Rock à la Sixteen Horsepower erinnert, dann glaubt man traditionelle Folk Songs wie aus den späten 60ern von Fairport Convention zu hören, dann wird plötzlich ein Bogen über Garage Rock zu Pop geschlagen. Alles zusammen fügt sich auf dem Album extrem gut zusammen, die Melodien sind griffig und nicht selten fange ich an, übermütig mitzuwippen. Als ich sagte, 2009 wäre ein tolles Jahr für neue Musik gewesen, hatte ich noch keine Ahnung, wie gut es in 2010 weiter gehen würde. Das Debüt von Erland & The Carnival ist ein weiterer Beweis.

Da ich von diesem Album seit einigen Wochen praktisch nicht genug bekommen kann, gibt es 8 Sterne.

Hier E&TC auf Myspace und eine sehr coole Version meines Lieblingstitels "My Name Is Carnival", live gespielt in einer Kirche. Mann, da wäre ich gern dabei gewesen.

Nachtrag: Heee, heute sogar als eine der CD's der Woche bei Spiegel Online! Mist. Aber ich kannte sie schon viel früher! ;o)

#54 Neu auf den Ohren: Laura Marling - I Speak Because I Can

2010-03-17T18:26:00.007+01:00

Laura Marling ist ja nun mittlerweile ein kleiner Star am Folkhimmel. Bereits seit ihrer Jugend schon sehr umtriebig in der Londoner Folkszene (unter anderem in bester Gesellschaft von Bands wie Noah And The Whale, Mystery Jets, Mumford & Sons etc.) kommt nun ziemlich genau zwei Jahre nach der Veröffentlichung des von Kritikern hoch gelobten Albums Alas I Cannot Swim nun der Nachfolger: I Speak Because I Can. Es fällt schnell auf, dass es um einiges weniger poppig ausfällt, als der Vorgänger: die Melodien noch ausgefeilter, mehr Höhepunkten entgegenstrebend, kraftvoller, gereift. Obwohl Laura Marling gerade einmal 20 Jahre alt ist, klingen ihre Songs, als hätte sie seit Jahrzehnten nichts anderes gemacht. Doch in ihnen allen schwebt eine Lebendigkeit, ein Selbstbewusstsein, das zeigt: man ist sich darüber genau im Klaren, was man kann. Nichts Geringeres ist also auf den neuen Tonträger gebannt worden. Ein Album, das in vielen Facetten glänzt, zu verzaubern weiß und gleichzeitig zum nachdenken und zum mitsummen anregt. Einen einzigen Makel gibt es aber leider doch: nach gerade einmal 37 Minuten ist schon wieder alles - viel zu schnell - vorbei. Von mir gibts 7,5 Sterne.

Bis das Album am 26. März bei uns in die Läden kommt, gibt es das Video zu Devil's Spoke als Überbrückung:
Laura Marling - Devil's Spoke

Laura Marling | MySpace Music Videos

#53 Neu auf den Ohren: Tom McRae - The Alphabet Of Hurricanes

2010-03-08T15:44:00.003+01:00

Eine Geduldsprobe für alle Fans von TomMcrae: nachdem er 3 Jahre hart an seinem fünften Studioalbum gearbeitet hatte, musste die Veröffentlichung um einige Monate verschoben werden. Man hatte glücklicherweise eine Plattenfirma gefunden, die das Album angemessen vermarkten und somit unterstützen konnte. Dafür wurde die Veröffentlichung verschoben, bereits fest geplante Konzerte wurden abgesagt. Nun ist The Alphabet Of Hurricanes aber endlich da. Das, was Tom McRae uns mit seinem neuen Werk vorsetzt, ist Singer/Songwriterkunst von höchster Güte. Neben seinem langjährigen Begleiter, dem Cellisten Oliver Kraus, versammelte er eine illustre Schar von Musikern um sich, die dem Album durchaus experimentierfreudig eine ungeahnte Frische und Diversität verschaffen. So gibt es kleinere Klezmeranleihen, Chöre, sogar eine Harfe, die zusammen einen sehr warmen und stimmigen Sound schaffen. Es wäre aber kein McRae’sches Album, wenn es nicht die typischen Texte gäbe, herzzerreißend gefüllt mit Selbstzweifeln, vorgetragen mit seiner unverkennbaren, gleichzeitig schneidenden und sensiblen Stimme. Falls ihr jetzt aber glaubt, dies wäre mal wieder eines der Alben, die voll sind mit Gejammer und platten dieWeltistsoschlechtzumirKlischees, dann kann ich versichern, dass dem nicht so ist. Es ist ein Vergnügen, das Album in all seinen Bestandteilen zu erkunden und sich mitreißen zu lassen. So möchte ich euch abschließend die Single Please ans Herz legen und gebe „unserem“ Tom 7 Sterne.

Hier also noch das (sehr lustige) Video zu Please und (wie immer) Myspace.

#52 Neu auf den Ohren: Joanna Newsom

2010-02-26T11:01:00.007+01:00

Dies wird die kürzeste und vielleicht deutlichste Rezension die ich je schreiben werde. Zu Have One on Me, dem neuen Album von Joanna Newsom, kann man vieles sagen, oder eben gar nichts, so ungreifbar, so schwierig ist es das Dreieralbum in Worte zu fassen. Nur so viel: Es ist an Virtuosität, Ideen- und Abwechslungsreichtum und Brillanz wohl kaum zu übertreffen.

Daher: Danke, Joanna für eines der besten Alben die je erschienen sind. Wer mehr wissen möchte, was niemandem zu verübeln wäre, dem rate ich es zu hören und dann nochmal zu hören und nochmal.

Zehn von Zehn Sternen und wenn es mehr gäbe hätte dieses Album sie verdient.

#51 Neu auf den Ohren: Woodpigeon - Die Stadtmuzikanten

2010-02-01T17:54:00.005+01:00

“I’ve spent too much time on my own, i just want to die...” Nein, dies stammt nicht aus einem düsteren Grunge-Album aus den 90ern, sondern vom neuen Werk „Die Stadtmuzikanten“ meines kanadischen Lieblingsensembles Woodpigeon. Mark Hamilton, Songwriter, Stimme und Seele der Band schafft es, mal traurige, sehnsuchtsvolle und wehmütige Texte, dann aber auch einfache Wortspiele oder alltägliche Beobachtungen in außergewöhnlich schöne Melodien zu verpacken, die über lange Zeit nicht mehr los lassen. Unter Einsatz einer Vielzahl an Instrumenten und dem in dieser Sparte praktisch obligatorischen Glockenspiel entfalten die Songs ihren Zauber, mal kindlich unschuldig, dann geradezu schunkelig, dann wieder sehr ernsthaft. Was ihnen allen zugrunde liegt sind eingängige Refrains, jedoch ohne diese einfach langweilig herunterzuspielen. Man traut sich auch, das Tempo zu erhöhen, den Rhythmus zu ändern oder plötzlich innezuhalten. Mit ihrem dritten Vollwerk ist Woodpigeon ein ganz wunderbares Folk/Pop Album gelungen, manchmal scheint es geradezu, als müsse man es beschützen, so aufrichtig und ehrlich schön scheint es. Hinzu kommt noch, dass man äußerst viel Musik für sein Geld bekommt: Auf der regulären CD sind 16 Titel, beim Kauf der Special Edition mit Bonus EP sind es noch mal 12 (nicht minder wertvolle) mehr. Wer im letzten Jahr The Leisure Society mochte, wird auch hier voll auf seine Kosten kommen.

Zu beziehen ist das ganze (meines Wissens nach) noch nicht in Deutschland, es gibt das Album aber ziemlich günstig hier. Hier gibt es das ganze Album als Stream zum Probehören - mein Anspieltipp ist Nr. 2: Woodpigeon Vs. Eagleowl.

Meine Endwertung ist daher 8 von 10 Sternen.

#50 Neu auf den Ohren: First Aid Kit - The Big Black and the Blue

2010-01-20T10:54:00.007+01:00

Das neue Jahr startet hier zugegebenermaßen verspätet, aber dafür mit einem musikalischen Goldstück. First Aid Kit, ein schwedisches Schwesternduo veröffentlichen dieser Tage ihr erstes Album "The Big Black and the Blue" und wissen zu überzeugen.

Gerade 16 und 19 sind Klara und Johanna Soderberg, seit 2007 machen sie zusammen Musik. Vielleicht liegt es am Schwesterndasein und der daraus resultierenden Verbundenheit, dass ihre Stimmen schon jetzt nicht nur einzeln ganz wunderbar sind, sonder auch perfekt harmonieren.

Auf ihrem ersten Album sind elf nicht nur harmonische, sondern auch melodiöse, fesselnde und lebensbejahende Titel zu finden. so wird auf "Hard Believer" auf voller Kehle gesungen "and it's one life and it's this life and it's beautiful". Das allgemein anerkannte depressiv sein in der Musikbranche wird endlich einmal durchbrochen.

Wer glaubt das junge Alter würde der Songschreiber und Stimmqualität abträglich sein und First Aid Kit wären ein weiteres süßliches Frauenduo, der irrt gewaltig, so erwachsen wirken die Stimmen und Titel der jungen Schwedinnen.

"The Big Black and the Blue" ist ein rundum gelungenes, einmalig schönes Album, das schon jetzt die Latte für die Folkalben dieses Jahres sehr hoch legt und, so kann man jetzt schon bedenkenlos sagen, mit Sicherheit Anwärter auf eins der schönsten Alben 2010 ist. Viel mehr gibt es nciht zu sagen, außer; unbedingt hören!

Dafür gibt es 9 von 10 sehr verdienten Sternen

#5 Verschiedenes: Musikalischer Rückblick 2009 - die Zweite

2009-12-30T23:42:00.007+01:00

Auch ich möchte, praktisch last minute, noch mit einer kurzen Aufstellung meiner zehn liebsten Alben des Jahres aufwarten. Alles in Allem finde ich, dass 2009 aus musikalischer Sicht ein ziemlich gutes Jahr war - sofern man das Radio ausgeschaltet ließ.

Hier auf jeden Fall meine Top 10:

1. The Leisure Society - The Sleeper

2. Mumford And Sons - Sigh No More

3. Rykarda Parasol - For Blood And Wine

4. The Decemberists - The Hazards Of Love

5. Bat For Lashes - Two Suns

6. R.E.M. - Live At The Olympia In Dublin

7. Tori Amos - Abnormally Attracted To Sin

8. Le Loup - Family

9. Blue Roses - Blue Roses

10. Show Of Hands - Arrogance, Ignorance And Greed

Ich stelle nun fest, dass es ganz schön schwer fällt, nur 10 herauszugreifen. Es gab ja, wie schon gesagt, so einige tolle Alben in diesem Jahr. Wahrscheinlich sähe die Liste nächsten Monat wieder ganz anders aus. Vielleicht enthielte sie dann Howling Bells, Emily Jane White, David Gray, Cortney Tidwell, Lisa o'Piu, Alela Diane, Gemma Ray....

Puh! Auf jeden Fall freue ich mich schon auf 2010, auf dass unser kleiner Blog weiterhin seine Anhänger mehrt und wir alle viele weitere schöne Konzerte erleben dürfen.

Dank euch fürs mitlesen und natürlich: einen guten Rutsch!!!!

#49 Neu auf den Ohren: Minor Majority - Either Way I Think You Know

2009-12-13T12:35:00.005+01:00

Das neuste Album Either Way i Think You Know der norwegischen Herrenband Minor Majority erschien bereits im Oktober in den nordischen Ländern. Eine wirkliche Erklärung warum das Werk erst ab Ende Januar in Deutschland und anderen Länder zu haben sein wird gibt es wohl nicht. Die Freude das Album aber endlich hören zu können ist natürlich groß.

Ich nehme gleich vorweg: das Album ist zwar gut, kommt aber bei weitem nicht an Vorgänger wie Walking Home from Nicole S heran. Aber an was liegt das?

Zuersteinmal: Minor Majority sind bekannt für wunderbare Melodien, die sanfte Stimme des Sängers Pal Angelskar und vor allem sind ihrer Titel schlicht gehalten, so dass Text und Gesang immer im Mittelpunkt stehen. Doch gerade da hakt es bei Either Way I Think you Know. Alles ist irgendwie voller, produzierter. Die geniale Einfachheit der Vorgänger ging irgendwo im Studio verloren. Auch die Texte scheinen irgendwie stupider, wiederholender. Da vermisst man doch grandiose Zeilen wie: "the atlantic sea may be a killer of dreams if what you want is a swimming pool".

Trotzdem kann man das neuste Werk der Norweger nicht als schlecht bezeichnen. Es ist nach wie vor bodenständig, auch wenn die Prioritäten verlagert wurden. So hört man z.B. kaum noch auf den Text wegen der Instrumentenübermacht, die auch durch Streicher und mehr ergänzt wurde. Trotzdem finden sich Titel sie wunderbarer kaum sein könnten, so zum Beispiel "Dance".

Daher: Anhören lohnt sich trotz allem, auch wenn es nicht ebenbürtig zu seinen Vorgängern ist.

Es gibt sechs von zehn Sternen

#4 Verschiedenes: Musikalischer Rückblick 2009

2009-12-13T12:11:00.002+01:00

Das Jahr 2009 geht in schnellen Schritten auf sein Ende zu, doch was brachte es musikalisch?

Hier sind meine Favoriten:

Beste CD's:
Grundsätzlich: In diesem Jahr kamen so unwahrschienlich viele gute CD's raus, dass die Entscheidung schwer fällt, schon allein die Reihung in die Top 10 ist fast unmöglich. Trotzdem hier mein Versuch!

1) Patrick Wolf - The Bachelor
2) Antony and the Johnsons - The Crying Light
3) Mumford & Sons - Sigh no More
4) Regina Spektor - Far
5) Scott Matthew - There is an ocean that divides
6) Bat for Lashes - Two Suns
7) Jordie Lane - Sleeping Patterns
8) Alela Diane - To Be Still
9) Gossip - Music for Men
10) Noah and the Whale - The First Days of Spring

Natürlich gab es auch einzelne Titel die mich durch das Jahr begleitet haben...

1) Bill Callahan - Eid Ma Clack Shaw
2) Patrick Wolf - The Bachelor
3) Antony and the Johnsons - Aeon
4) Alela Dianefeaturing Alina Hardin - Matty Groves
4) Mumford and Sons - White Blank Page
5) Tori Amos - Curtain Call
6) Regina Spektor - Eet
7) Cara Dillon - P stands for Paddy
8) Alela Diane - The Ocean
9) Razorlight - Wire to Wire
10) Sting - Soul Cake

So, und zu guter letzte: Was kommt 2010?

Ich freue mich sehr aud Patrick Wolf's "The Conquerer", dann sollten Damien Rice und Joanna Newsom nächstes Jahr endlich erscheinen. Außerdem erscheinen im Januar: Laura Veirs, Minor Majority, First Aid Kit, Tegen & Sara, Tom McRae.
Gespannt bin ich außerdem auf das neue Woven Hand Album das ebenfalls 2010 erscheinen soll.

#18 Konzert: Helgi Jonsson, München

2009-11-26T10:51:00.009+01:00

"I'm god, i want to create..."
So beginnt Helgi Hrafn Jónsson sein gestriges Konzert im Atomic Cafe. Wer nun meint, es handele sich bei ihm um ein selbstherrlichen, eingebildeten Kerl, der irrt. Ganz im Gegenteil, immer einen witzigen Spruch auf den Lippen...und das im besten ~~deutsch~~ österreichisch. Nicht gerade das was man von dem androgyenen Isländer im Vorfeld erwartet.

Doch bevor es um ihn geht gibt es wie gewohnt ein paar Worte zu seinem Support: Ragga Gröndal. Die Isländerin präsentierte gestern, auf ihrem ersten Konzert zusammen mit Helgi , selbstgeschriebenes in englisch und isländisch, sowie traditionelle isländische Folk Songs. Absolut bemerkenswert ist die Stimme der jungen Musikerin, die man vielleicht ganz gut im Blues unterbringen könnte. Kraftvoll, klar und intensiv, so lässt sich das gehörte wohl am ehsten beschreiben. Leider fehlte das abwechslungsreiche im Programm von Ragga Gröndal, die in Island laut Helgi Jonsson übrigens ein Star ist, und daher wurde es zum Ende hin doch etwas anstrengen ihr die volle Aufmerksamkeit zu schenken.

Helgi Jonsson betritt dann gegen halb 11 die Bühne und spielt eine gute Stunde. Vorallem sein in diesem Jahr erschienenes Album For the Rest of My Childhood ist musikalisches Thema des Abends. Für den neu 30-jährigen scheint das Alter und Altern ein großes Thema zu sein, auch wenn er sich selbst zumindest teilweise immer noch als Kind bezeichnet.
Unfassbar scheint es welche Töne aus dem Mund des spindeldürre Isländers kommen, so spektakulär ist seine sensible Stimme. Weder Tiefen noch Höhen werden gescheut, genauso wenig die leisen oder lauten Töne. Helgi Jonsson experimentiert gerne mit Klängen, das hört man nicht nur auf seinen Alben, sondern auch live. Texte, so erzählt er im Vorfeld im Interview mit LAXMag (in den nächsten Tage online), wären notwendig, aber er schaffe zuerst die Musik. Darum ginge es ihm. Trotzdem scheinen seine Texte nicht Gezwungenes zu sein, sie sind (mindestens) so schön wie seine Musik.

Alle die sich davon noch überzeugen wollen: Helgi kann man die nächsten Tage noch in Köln, Hamburg und Berlin sehen. Es lohnt sich.

Danke Flo für das Foto :)

#3 Verschiedenes: Neues Bewertungssystem

2009-11-26T10:44:00.002+01:00

Wir werden von nun an in einem Zehn-Sterne System und nicht mehr in einem Fünf-Sterne System bewerten. Uns fehlen einfach teilweise die noch genaueren Abstufungen. Daher gibt es ab jetzt zehn Sterne zu vergeben. Die bisherigen Bewertungen bleiben aber wie sie sind, werden also nicht in das neue Bewertungssystem umgemünzt.

#17 Konzert: Die drei ??? und der seltsame Wecker - Live And Ticking

2009-11-12T14:16:00.005+01:00

Mal ein Konzert der etwas anderen Art gab es gestern für uns beide zu erleben: die drei ??? live. Wir, die – wie viele andere - mit Justus, Bob und Peter praktisch aufgewachsen sind, waren über Wochen und Monate schon voller Vorfreude. Gestern Abend war es dann endlich soweit: in der voll besetzten Freiburger Rothausarena gaben sich die Originalsprecher Oliver Rohrbeck, Andreas Fröhlich und Jens Wawrczeck die Ehre und bescherten uns einen Abend, der nicht bunter hätte sein können.

Nachdem wir uns am Merchandisingstand mit gut der Hälfte des Katalogs eingedeckt hatten, ging es pünktlich um 20:00 Uhr los. Musiker, Geräuschemacher und Erzähler betraten die Bühne, gefolgt von einem turbulenten Erscheinen von den drei Detektiven im schicken Overall, den sie aber bald gegen noch schickere Anzüge tauschten. Die Episode, die wir zu erwarten hatten, kannte wahrscheinlich jeder der Anwesenden, und doch war die Handlung um den seltsamen Wecker um viele Szenen erweitert worden. Vor allem lustige Sequenzen und eine Gesangseinlage ließen mich Tränen lachen. Auch die Nebenrollen waren hervorragend besetzt, wodurch es problemlos ging, mehrere Rollen gleichzeitig von nur einem Sprecher darstellen zu lassen. Da gab es zum Beispiel eine durchgedrehte Tantralehrerin, eine wütende Hausfrau, eine Katzenlady, einen extrem schläfrigen Besitzer eines Uhrengeschäfts, einen zu allen Gewalttaten bereiten Spanier und viele mehr. Geräuschemacher und Musiker lieferten dazu eine Stimmungsvolle Kulisse, hinterleuchtet von einer großen LED-Leinwand, auf der abwechselnd das Bild des Weckers, die Fragezeichen oder auch Teile der Auflösung des obligatorischen Rätsels eingeblendet wurden. Besonders hervorzuheben sind natürlich auch die schauspielerischen Qualitäten der Sprecher, die – hervorragend aufeinander eingespielt- mit passender Mimik und absolut sympathisch der Geschichte eine Seele einzuhauchen vermochten. Ein komplett gelungener, gute zwei Stunden dauernder Abend, an dem Erwachsene wieder Kinder sein durften. Besonders gelungen (und natürlich einen einträglichen Marketingeinfall) fand ich im Übrigen die Idee, den Mitschnitt des Abends gleich danach auf USB-Sticks zu verkaufen. Sollte es öfter geben.

#48 Neu auf den Ohren: Tori Amos - Midwinter Graces

2009-11-07T18:39:00.004+01:00

Die Wintertrilogie findet ihr Ende und zwar mit Tori Amos' nächste Woche erscheinendem Album "Midwinter Graces".

Lesern dieses Blogs könnte schon aufgefallen sein, dass hier eine große Tori-philie herrscht, auch wenn das Verhältnis von uns zu Tori in den letzten Jahren oft ein von Krisen geprägtes war. Nach dem Bekanntwerden der Veröffentlichung eines Weihnachtsalbums herrschte große Skepsis und fragende Blicke. So kann das etwas zerrüttete Verhältnis wohl nicht gekittet werden, wurde da gedacht. Oder etwa doch?

Obwohl Tori Amos zur genüge betont (genauer gesagt in jedem Interview), dass sie die Tochter eines Pfarrer ist, schien eine Weihnachts CD so gut zu ihr zu passen wie Sahne mit Gurke. Klar, aus genanntem Anlass gab es schon immer eine starke Verbindung zwischen Tori und Religion, doch meist äußerte sie sich darüber eher negativ. Als dann noch das sehr pathetische Cover veröffentlicht wurde war für mich schon fast jede Hoffnung verloren.

Doch nun zu "Midwinter Graces". Zuerst fällt positiv auf, dass es sich um eine CD mit einer normalen Titelanzahl handelt. Aha, das ist also auch bei der in Cornwall lebenden Musikerin noch möglich. Bei den ersten zögerlichen Hörversuchen wurde schnell klar, dass es sich um ein sehr stimmungsvolles, wenn auch nicht unbedingt typisches Weihnachtsalbum handelt. Mit Tori-typischen Arrangements, stimmlichen Feinheiten und natürlich dem Piano besticht dieses Album und zwingt fast zu einem nochmaligen Abspielen. Absolut positiv muss gesagt werden, dass typische Weihnachtslieder (Jingle Bells und Konsorten) ausgespart wurden. Zusammen mit klassischen Weihnachtsliedern gesellen sich eigene Kompositionen.

Auch hier holt sie sich wie üblich Unterstützung von ihrem Ehemann Marc Hawley, Matt Chamberlain, Jon Evans und Mac Aladdin. Außerdem wird sie von einer Big Band (hier wohl der sehr jazzige Titel "Pink and Glitter" zu erwähnen) und einem Orchester. Besonders muss noch auf die stimmliche Unterstützung ihrer Tochter Tash ("Holly, Ivy and Rose") und ihrer Nichte ("Candle: Coventry Carol") hingewiesen werden. Trotz Primborium klingen die meisten der Lieder nicht überproduziert, wenn natürlich aber weihnachtlich.

Obwohl mir nicht klar ist, warum Tori Amos sich nun entschlossen hat ein Weihnachtsalbum aufzunehmen und zu veröffentlichen, so bin ich doch angetan. Besonders erwähnenswert ist einer der selbstgeschriebenen Titel: "Winter's Carol". Obwohl ein Weihnachtslied ist es einer der gelungensten Titel der letzten Jahre. Die Arrangements sind schlicht genial und stimmlich bleiben keine Wünsche offen. Zu erwähnen ist außerdem das Cembalo, dasss bei "What Child, Nowell" ein Comeback feiert (endlich). Fast wie zu "Boys for Pele" Zeiten...

So verbleibe ich nicht mit meinen eigenen Worten, sondern denen eines Kommentars bei last.fm der mich zum Schmunzeln brachte, dem ich aber weitestgehend zustimme: "erm...WTF !? this is so WRONG Tori, we wanted u to fuk it up so we could LAUGH at you...then you went ahead and totally delivered the best christmas album ever, WTF ? thank you babe...thank you."

So, es gibt überraschend gute Vier von Fünf (imaginären aber sehr weihnachtlichen) Sternen

#16 Konzert: Mumford & Sons, München

2009-11-03T16:01:00.010+01:00

Das gestrige Konzert im Atomic zeichnete sich schon im Vorfeld durch eine Besonderheit aus: die Tickets konnten ausschließlich gewonnen werden. Hier gleich nochmals mein Dank an die holden Spender und die Vermittlerin. Dank euch durften ich und meine Begleiterin einen wunderschönen, lauten Abend erleben.

Bis um Viertel nach Neun wartet das gerammelt volle Atomic und das bunte Instrumentensammelsurium auf die vier Herren aus London. So finden sich diverse Akustikgitarren, Bässe, einen Kontrabass, ein Keyboard, eine Quetsche, ein Banjo, Mandoline, Schlagzeug sowie eine Pedal Steel Gitarre.

Als dann Mumford & Sons die Bühne betreten, das Publikum jubelnd, beginnen sie mit "Sigh No More". Die typische Bühnenhirarchie mit dem Sänger vorne wird aufgehoben, so stehen alle vier nebeneinander. Ein schönes Bild.

Während der guten Stunde die das Konzert dauert zeigt sich die Newcomer Band als tolle Musiker und sympatische Erzähler. So wird viel gelacht, auf und vor der Bühne. Professionell spielen sie ihr gesamtes Dabutalbum, außerdem zwei zusätzliche Titel, das neue "Whispers in the Night" und "Sister" unplugged, ein wunderschöner Moment übrigens.

Absolut überzeugend spielen die vier Londoner ihre Instrumente. Das Schlagzeug bleibt eher Deko, da 1) Marcus Mumford mit seinen Füßen die große Trommel und auch einen Schellenring bedient. So schaffte die Combo eine volle und laute Klangwelt. Doch auch leise Töne waren an der Tagesordnung, schöne Pianoklänge und natürlich immer wieder das Banjo.

Das Münchner Publikum war ganz wunderbar, so wurde getanzt, gelacht und auch mitgesungen. Und das, obwohl das Album erst seit kurzem in Deutschland veröffentlich ist. Selbst nach der regulären Zugabe verebbte der Jubel nicht, so dass die Band das erste Mal ihrer Karriere (nach eigener Aussage) eine zweite Zugabe spielte. Das erhöhte den Sympathiefaktor der Männer nochmals.

Für diese absolut überzeugende Darbietung verdient die relativ neue Band den allergrößten Respekt. Live lohnt es sich definitiv, die Mumford & Sons zu hören, ich verspreche einen schönen, lustigen Abend.

Die akustische Zugabe "Sister" als Schmankerl obendrauf, gefilmt von Sara.

#47 Neu auf den Ohren: Sting - If on a Winter's Night

2009-11-01T20:23:00.004+01:00

Wie versprochen geht es weiter mit den winterlichen Veröffentlichungen, auch wenn Stings "If on a Winter's Night" deutlich erfreulicher ausfällt als Bob Dylans musikalischer Erguss zur kalten Jahreszeit.

Sting scheint sich auch mit dem kürzlich erschienenen Album treu bleiben zu können. So zeigte er schon mit "Songs from the Labyrinth" das er sich für klassische englische Musik interessiert. Auch auf "If on a Winter's Night" zeigt er wieder seine Vorliebe für die Musik der Inseln, wenn auch mit winterlichem / weihnachtlichem Bezug und einer zeitlichen Verteilung der Titel über die verschiedenen Jahrhunderte.

Zusammen mit zwei eigenen Songs "Lullaby For An Anxious Child" und "Hounds Of Winter" finden sich zwei Titel des englischen Barock-Komponisten Henry Purcell, genauso wie eine eigene Übersetzung von Schuberts "Leierkastenmann" und natürlich vieles mehr.

Um das winterliche Gefühl der britischen Inseln wirklich rüberbringen zu können, wird in manchen Titeln fröhlich gefidelt (sehr zu empfehlen: "Soul Cake") andere sind klassisch interpretiert usw. So zeigt uns der ehemalige Police Frontmann eine Bandbreite winterlicher Lieder, ohne sich jedoch zu den typischen Weihnachtsliedern hinreißen zu lassen.

Sting selbst beschreibt, dass sein Album das Doppelschneidige an Weihanchten zeigen soll: "I think the winter has this almost gravitational pull to someplace warm, cozy -- like home or the church, but for people who can't make it home or have no home to go to, it's "the worst time of year. I think the album wants to balance those two things." Umso verständlicher, dass sich fröhliches und traurig-schauriges abwechseln.

Um es kurz zu machen: ein wirklich stimmungsvolles Winteralbum. Wem "Songs from the Labyrinth" gefallen hat und sich gern von Stings weicher und warmer Stimme einlullen lassen will, der wird, denke ich, an "If on a Winter's Night" auch seine Freude haben.

Daher:

Vier von Fünf (imaginären) Sternen

#46 Neu auf den Ohren: Bob Dylan - Christmas in the Heart

2009-10-27T17:34:00.006+01:00

Ja, ich denke Bob Dylan ist eine Legende, ein grandioser Musiker und Texter und doch: "Christmas In The Heart" ist die reinste Katastrophe.

Wie schon angekündigt kommen nun einige von mir gehörte Weihnachtsalben. Als ich hörte, dass sich dieses Jahr Bob Dylan zur Riege der geltungsbedürftigen, aus Weihnachten profitschlagenden Künstlern gehört, musste ich mich schon sehr wundern.

Da ich Bob Dylan eben für ein Genie halte, habe ich mir dann auch dessen Weihnachtsalbum angehört. Auch wenn schon im Vorfeld die Trackliste bei mir für Verwunderung sorgte, da es sich allesamt um sehr bekannte, typisch amerikanische Weihnachtslieder handelte, an die sich Herr Dylan da ranwagte. Und sowas geht ja meistens schief.

Doch zuerst zum positiven: Das Cover, sehr "vintage", ist wenigstens recht schön. Schon bei den ersten Klängen wird mir dann klar, dass Bob Dylan wirklich und ernsthaft versuchte, ein sehr klassische Weihnachtsalbum zu schaffen, so fühlte ich mich sofort, dank Backroundsängerinnen und Instrumentierung, an die 50er Jahre erinnert. Doch das Problem ist einfach: Bob Dylan hat für ein Weihnachtsalbum im Stil der 50er Jahre schlicht die falsche Stimme. So krächtst er auch hier in typischer Dylan Manier, doch in diesem Fall wirk dies einfach nur lächerlich. So verwundert es nicht, dass ich bei den ersten Liedern vor mich hinlachte, so sehr erinnerte mich das Gehörte an eine Persiflage eben dieser klassischen Weihnachtslieder, doch so soll es wohl nicht gemeint sein. So ist fraglich, was der Musiker mit diesem Album bezwecken wollte, denn Geld hat er wohl genug. Vielleicht kann man es der Einfachheit halber einfach auf sein Alter schieben um nicht den musikalischen Respekt vor ihm zu verlieren.

Für dieses wirklich miese Album:

Einen von Fünf (imaginären) Sternen (und den einen gibts auch nur weils zum Lachen verleitet und weil die Erlöse gespendet werden).

#45 Neu auf den Ohren: Mumford & Sons - Sigh No More

2009-10-24T11:28:00.003+02:00

Bevor ich mich in den nächsten Wochen ausführlich über Winterliche- bzw. Weihnachtsveröffentlichungen auslassen werde, stelle ich euch nun aber noch einen heißen Anwärter aud die CD des Jahres vor: Mumford & Sons mit ihrer Debutplatte "Sigh No More".

Die EP liess schon im Vorfeld hoffen, doch diese Hoffnung haben die vier Herren aus London weit übertroffen. Okay, da sie aus dem musikalischen Umfeld von Laura Marling oder Noah and the Whale kommen, ist dies vielleicht für einige keine größere Überraschung, doch wer hätte gedacht, dass sie ihre musikalischen Kollegen sogar übertreffen?

Mit einer Mischung aus Bluegrass, Alternative und Folk zeigen sie nun was sie können. Das heißt im Klartext: viel Gitarre und Banjo, Kontrabass und Quetsche. Vereinzelt findet man dann auch noch weitere Streicher, Klavier, Trompeten u.ä.

Althergebrachtes lassen Mumford & Sons mit ihrer Instrumentierung wiederaufleben, selten hört man heute so viel Banjo auf einer neuen CD. Trotzdem führen sie es in die heutige Zeit, drücken ihrer Musik einen ganz eigenen Stempel auf: Wiedererkennungwert = 100%

Die zwölf Titel des Albums glänzen durch eine Verschiedenheit, jedes steht für sich und ist gleich wichtig. Schnell merkt man aber doch, dass trotzdem alles zusammenhängt, dass es sich lohnt alles in einem Lauf zu hören, dass es bei jedem Hören wächst. Gemeinsam haben alle Titel eins: sie sind stark melodiös, und hier ist es egal ob es eine schnelles oder langsames Lied ist, ob es um Liebe oder Schmerz geht... Außerdem wird alles zusammengehalten durch die raue und doch eingängige Stimme von Marcus Mumford, zu der mir kein geeigneter Vergleich einfällt (Jan Wigger schreibt auf spiegelonline zwar, dass er sich nach Michael Stipe anhört, das finde ich aber in keinem Fall).

"Sigh no More" hat etwas Erhabenes, etwas Perfektes da alles passt, da es rein gar nichts auszusetzen gibt. Ein Album zum mitreißen lassen. Die erste Single "Little Lion Man" reißt mit und doch, müsste ich eine Favoriten wählen, dann wäre es das einfach perfekte "White Blank Page".

Für ein perfektes Album (ja, das gibt es) gibt es natürlich

Fünf von Fünf (imaginären) Sternen

#44 Neu auf den Ohren: Rykarda Parasol - For Blood And Wine

2009-10-17T18:51:00.006+02:00

Für alle, die keine Lust haben, sich in der kalten Jahreszeit gemütlich auf dem Sofa zu aalen: wie wäre es mit einer Dosis selbstauferlegter Gänsehaut? Da wüsste ich jemanden: Rykarda Parasol. Die Frau heißt wirklich so, und genau so exotisch wie ihr Name ist auch die Musik auf ihrem zweiten Vollwerk. Die Stimme - meist sehr tief, mal brüchig, meist aber selbstbewusst, geradezu breitbeinig daherstampfend, erinnert oft an Patti Smith oder PJ Harvey. Die Musik von einer Düsternis, die einen Nick Cave neidisch machen könnte, handelt hauptsächlich von Verlust und Tod. Nein, fröhlich oder leicht verdaulich ist die Musik von Rykarda Parasol, die sie selbst als „Rock Noir“ bezeichnet, gewiss nicht. Im Opener „The Road Is Long“ bereitet sie uns vor:

The road is long with treachery
It winds just like a drunken snake
I walk the rue without care of bother
Though behind every bend I know
Evil follows me down

Inmitten all der Hoffnungslosigkeit, Bitterkeit, Zerissenheit, kurz: dem Unheil, schafft es die zierliche Blondine aus San Francisco noch, ihre Gefühle in wundervolle, teilweise melancholisch schwermütige, teils rumpelnde Melodien einzubetten, denen man spätestens nach dem zweiten Hören völlig erliegt. 16 verstörend und gleichzeitig fesselnde Stücke sind auf „For Blood And Wine“ vereint, das am 20. Oktober erscheinen wird. Für alle Fans des Folk (oder Rock) Noir, die auch gerne Woven Hand, Marissa Nadler, Emily Jane White, PJ Harvey usw. hören, ist dieses Album auf jeden Fall einen Versuch wert. Von mir gibt’s dafür 4 Sterne.

Hier die Website (die sich auf jeden Fall allein der eingestellten Texte wegen lohnt) und natürlich Myspace.

#43 Neu auf den Ohren: Josephine Foster - Graphic as a Star

2009-10-15T14:18:00.006+02:00

Vertonte Emily Dickinson Gedichte kennt man vielleicht schon von Natalie Merchant oder Carla Bruni oder, oder...doch Josephine Foster treibt dies mit ihrem neuen Album "Graphic As A Star" auf die Spitze. Ganze 27 Titel (gut, kurze Titel, aber immerhin) die allesamt von den Werken der Dichterin inspiriert sind.

Das Album entstand in einem abgelegenen Dorf irgendwo in Spanien. Eindrucksvoll hört man die Ruhe und Abgeschiedenheit in jedem der Titel des Albums. Man sieht die Sängerin aus Colorado schon fast vor sich, wie sie mit Gedichtbänden und ihrer Gitarre auf einer sonnenbeschienen Terrasse sitzt, so heimelig hört sich das alles an.

Trotzdem hat sich Josephine Foster hier natürlich eine schwere Aufgabe gestellt. Emily Dickinsons schwermütige, intensive Gedicht zu vertonen ist kaum möglich. Durch klare Reduktion auf das Wesentliche gelingt es ihr aber doch. So dominiert die Stimme, teilweise a capella, teilweise mit sanfter Gitarre untermalt, dann noch selten etwas Mundharmonika und fertig. So entstand ein extrem ruhiges, getragenes Album in dessen Mittelpunkt natürlich die Sprache Emily Dickinsons steht, aber auch Josephine Fosters schwingende Stimme, die sich wohl am ehesten in die Richtung der von Joni Mitchells einordnen ließe.

"Graphic As A Star" ist sicherlich kein Album für jedermann, zu speziell das Thema und die Stimme der Sängerin. Doch wenn es gelingt sich dafür zu begeistern, dann kann man schöne Stunden mit dem Hören des Werkes verbringen. Passend zur Jahreszeit ist es allemal.

Dreikommafünf von Fünf Sternen

#42 Neu auf den Ohren: David Gray - Draw The Line

2009-10-08T19:44:00.008+02:00

Schwarztee mit Milch. Die Assoziation taucht plötzlich und unauslöschlich vor meinem inneren Auge auf, während ich mir das neue Album von David Gray anhöre. Liegt es womöglich daran, dass der Mensch nun, zu Beginn der kalten Jahreszeit, unweigerlich etwas mehr Wärme braucht? Ist es das Bittersüße, welches beide verbindet? Das Zeitlose? Auf jeden Fall durchströmt mich ein wohliges Gefühl, schon bei den ersten Schlucken – Pardon – Minuten, in denen ich mich dem bereits 8. Studioalbum von David Gray widme. Was ich erwartet hatte? Nach den meiner Ansicht nach etwas zu lasch geratenen beiden Vorgängern hoffte ich nicht unbedingt auf den großen Wurf. Zunehmender Bekanntheitsgrad (unter anderem) über diverse Beiträge auf Soundtracks brachten eine unweigerliche Kommerzialisierung mit sich und drohten, die Intimität, die David Gray zwischen sich und seinen Hörern aufgebaut hatte, zunichte zu machen. Doch da gibt es eine Konstante: diese Stimme, die aus Hunderten herausstechen würde, die gleichzeitig Verletzlichkeit und Stärke ausdrückt. Von dieser lebt nun auch Draw The Line, doch dieses Mal balanciert der Brite geübter zwischen den Welten aus Kunst und Konsum. Bestes Beispiel: für "Full Steam" holt er sich als Duettpartnerin das Pop-Urgestein Annie Lennox ins Boot, für "Kathleen" die eher unbekannte (aber wunderbare) Folksängerin Jolie Holland. So vereinen sich auf Draw The Line eingängige, aber nicht minder anspruchsvolle Titel, mit denen David Gray bestätigt, dass er einer der besten Singer/Songwriter der Gegenwart ist. Neugierigen, Suchenden, und auch Zweiflern möchte ich mit allem Nachdruck empfehlen, dem Werk einige Aufmerksamkeit zu schenken, die sich gewiss lohnen wird. Als Anspieltipps fällt meine Wahl auf das Titelstück "Draw The Line", "Kathleen" (zum Glück hatte die erste Wahl Dolly Parton keine Zeit!) und "Jackdaw".

Vielmehr gibt es eigentlich nicht zu sagen – eine persönliche Sache vielleicht noch: als ich im zarten Alter von 14 Jahren zum Schüleraustausch in England weilte, hörte ich zum ersten die Musik von David Gray. Und ich trank zum ersten Mal richtigen Schwarztee mit Milch. So schließt sich dann doch noch der Kreis…

Es fehlt noch zu sagen: 5 Sterne, natürlich!

Hier noch, wie gewohnt Myspace.

Und ein hochoffizielles Video.

#15 Konzert: Patrick Wolf, München

2009-10-05T18:45:00.005+02:00

Der letzte deutsche Konzertabend des britischen Ausnahmekünstlers fand gestern Abend im Ampere statt und war, soviel vorweggenommen, ein voller Erfolg.

Doch alles der Reihe nach, denn bevor Patrick Wolf die Bühne eroberte, war die schwedische Band The Deer Track im Vorprogramm zu sehen und zu hören. Wirklichen Anklang beim Münchner Publikum fand die Dreierkombo nicht, zu eintönig war ihr Programm. Zwar versuchten die Musiker ihren elektronischen Sound mit Klarinette, singenden Sägen, Kinderpielzeug etc. aufzumöbeln, doch spätestens seit CocoRosie reißt das eben auch niemanden mehr wirklich vom Hocker. Nach einem halben Stunde ist dies aber dann auch vorüber und eine quälend lange Dreiviertelstunde wird dann auf Herrn Wolf gewartet.

Zusammen mit seiner vierköpfigen Band geht es dann 21:45 endlich los und zwar mit "Who Will", ein Titel des letzten Albums "The Bachelor". Nun, wer Patrick Wolf live erleben darf weiß, dass es zwar vorrangig um Musik geht, aber eben nicht nur. So zeigt sich der exzentrische Londoner am Abend in drei verschiedenen Outfits, ob in einem schwarzen Reiteroutfit inkl. stilisierter Ledertrense, einem hautengem goldenen Overall der seine goldglitzerne Brust freiließ, oder in weißer Hotopants (die er am Ende natürlich nicht mehr tug, stattdessen durfte das Publikum einen schicken schwarzen String bewundern), Patrick Wolf machte in allem eine gute Figur.

Musikalisch erlebte man einen grandiosen Sänger und Instrumentalisten zusammen mit einer eingespielten Band. Der Sound im Ampere war gut, keine Frage, auch wenn ich auch diesmal wieder fand, dass ein großes Drumset für diesen doch eher kleinen Raum einfach zuviel des Guten ist. Doch Patrick Wolf wollte die Lautstärke. Während zu Beginn noch leise und laute, schnelle und langsame Nummern sich abwechselten, wurde das Konzert schnell zu einem sehr tanzbaren, für Patrick Wolf und das Publikum. Neben vielen Songs des neuen Albums, waren natürlich auch solche der anderen zu hören, klares Highlight für die Besucherschar: "Tristan".

Ein toller, abwechslungsreicher Abend, gestaltet von einem sehr offensiven und lustigen jungen Künstler der es schaffte, das Publikum zu begeistern, und zwar nicht nur duch seine Musik, sondern auch durch diverse flotte Sprüche und dem Erzählen verschiedener Geschichten, so z.B. "I love Munich and it's traditions. Today i gave some radio interviews and there were so many men in leather trousers. Just awesome." Das Publikum freute es und damit ihn auch. Überhaupt war das Publikum bester Stimmung, so wurde fleißig gejubelt und getanzt. Leider gab es in diesem Fall auch ein paar Totalausfälle: Menschen die schlicht so betrunken waren, dass es 1) peinlich war und 2) die anderen Besucher störte. So etwa ein Mädl in der ersten Reihe, das es vor der Zugabe fertigbrachte, auf die Bühne zu klettern um sich eine Setlist zu holen um dann weil zu voll umzukippen und das Mikro auf das Schlagzeug zu werfen. Peinlich...Doch selbst dieser Zwischenfall schaffte es nicht, die wunderbare Stimmung zu zerstören.

Daher: Patrick Wolf lohnt sich, musikalisch allemal und natürlich auch einfach zum gucken.

Ach so, Bilder folgen noch ein paar hübschere!

#41 Neu auf den Ohren: Emily Jane White - Victorian America

2009-10-04T10:27:00.004+02:00

Zugegeben, beim neuen Album von Emily Jane White bleibt das Meiste, wie wir es bereits vom Debut kennen - genauso gut eben.

"Victorian America" ist nun nach knapp zwei Jahren der Nachfolger ihres Debuts "Dark Undercoat". Dass genug Material für ein neues Album bereits bestehe, das dürften Konzertbesucher schon längst bemerkt haben, so spielte sie schon viele der Titel des neuen Albums während des letzten Jahrs live.

Emily Jane White bleibt sich treu auf dem neuen Werk. Nach wie vor zählt das Düstere, ihre spröde, ruhige Stimme etwas Akustikgitarre, Cello und Klavier. Das ist das Rezept der jungen Musikerin und es geht wieder auf. Neu dazugekommen ist lediglich die Pedal Steel Guitar, die einige der Lieder dezent untermalt.

Zwischen sehr ruhigen, sanften Titeln wie beispielsweise "Never Dead" oder "Ghost of a Horse" finden sich immer wieder melodiöse, abwechslungsreiche Stücke wie das grandiose "Stairs" oder "Liza". Auch diese abwechslungsreiche Kombination kennen wir schon von ihrem Debut.

Obwohl vieles schon bekannt, vieles irgendwie ähnlich zu "Dark Undercoat", schafft Frau White mit "Victorian America" ein wunderbareres, stimmungsvolles und düsteres zweites Album, das bei der Fangemeinde wieder großen Anklang finden sollte. Die Musikerin wird mit dem neuen Album keinesfalls schlechter, das muss klar gesagt werden.

Ein Album zum Genießen und vielfachen Hören, daher

Vier von Fünf (imaginären) Sternen

Gerade ist Emily Jane White übrigens auf Tour, es gibt auch deutsche Daten. Es lohnt sich!

#40 Neu auf den Ohren: Noah and the Whale - The First Days of Spring

2009-09-27T12:41:00.005+02:00

Ganz selten gelingt es einer Band, sich mit dem zweiten Album neu zu erfinden, eine neue Richtung einzuschlagen, ohne dabei grausam unterzugehen.

Der britischen Band Noah and the Whale ist aber genau dies gelungen. Während ihr Debutalbum "Peaceful the World lays me Down" richig schönen Indiefolk/-pop darbot, und vor allem auch durch "Gute-Laune-Songs" wie "2 Atoms in a Molecule" glänzte, ist "The First Days of Spring" ein ruhiges, melancholisches Album, bei dem es vor allem um gebrochene Herzen, um Leben die sich verändern, um Trauer geht. Liebeskummer vom feinsten also. Doch wer nun klischeemäßig an schnulzige, schleimige Balladen denkt, liegt falsch.

Denn neben der vielen Trauer einer gescheiterten Beziehung bietet das Album wesentlich mehr, nämlich die Botschaft, dass alles irgendwann wieder besser wird und zwar immer. So wird in vielen der Titeln der Abschied, das Ende einer Liebe beschrieben, mit Sätzen wie: "I'll be lonely, Oh i'll be lonely - again". Diese Art der Texte könnte man zur Genüge zitieren, hier wird Trauer richitggehend zelebriert. Aber zu Beachten ist, wie das Album endet, nämlich mit dem Titel "My door is always open", der, genau wie die erste Single "Blue Skies", an das Weitermachen appeliert.

Musikalisch ist das Album sehr zurückhaltend. So wird zur Akustikgitarre gesungen ohne viel tamtam. Auch das Klavier hat einen festen Platz auf dem neuen Werk, neben den typischen Instrumenten natürlich. So wird die durchgehend mlancholische Stimmung bestens untermalt. Doch wenn man glaubt das Album langsam zu durchschauen, dann taucht plötzlich feinste Klassik auf, so in "Instrumental I". Und weil das noch nicht genug ist wird auch noch ein Chor aufgefahren. Doch auch hier gelingt es der Band, nicht ins kitschig-klischeehafte abzurutschen und das ist nun wirklich eine Leistung. Und wer jetzt denkt, auf dem Album wären ausschließlich ruhige, traurige Nummern, der wird mit "Love of an Orchestra" vom Gegenteil überzeugt.

Getragen wird "The First Days of Spring" aber von einer ganz bestimmten Stimme und zwar der von Charlie Fink. Endlich mal wieder eine Stimme mit Wiedererkennungswert. Und dann noch dieser Akzent...da muss man nicht mehr viel sagen außer:

Vier von Fünf (imaginären) Sternen

#39 Neu auf den Ohren: Dawn Landes - Sweet Heart Rodeo

2009-09-25T12:29:00.009+02:00

Obwohl bisher meist wirklich viel versprechende Musik von Dawn Landes veröffentlicht wurde, ist dies bei ihrem neuen Album Sweet Heart Rodeo nicht der Fall. Mit "Young Girl" beginnt es eigentlich noch recht flott. Dann wird es bei "Romeo" schon etwas lahm. "Money In The Bank" ist ein richtiger Lichtblick und ließ mich doch noch auf Gutes hoffen. Doch mit Fortschreiten des Albums wird jegliche Hoffnung zerstört. Die folgenden Titel könnten nicht beiläufiger und langweiliger klingen. "Clown" zum Beispiel ist ein absoluter Tiefpunkt. Gerade zu Zeiten, in denen es relativ einfach ist, viele gute Singer/Songwriter im Internet zu entdecken, sehe ich keinen Grund, sich noch länger mit diesem öden und uninspirierten Album näher zu beschäftigen. Deshalb eineinhalb Sterne und vielleicht lieber das 2006er Werk Fireproof auflegen, das hatte noch Biss. Sweet Heart Rodeo dagegen leider nicht.

Ach ja, hier noch Myspace

#38 Neu auf den Ohren: Alela Diane feat. Alina Hardin - Alela & Alina

2009-09-23T19:19:00.004+02:00

Nach dem in diesem Jahr erschienenen Album "To Be Still" überrascht uns Alela Diane nun mit einer EP, die sie zusammen mit ihrer Musikerfreundin Alina Hardin aufgenommen hat.

Wer die beiden live erleben durfte, weiß, wie harmonisch die Stimmen der beiden Frauen aus Nevada passen, wie schön sie zusammen klingen. Auf der EP, die einfach "Alela & Alina" heißt, zeigen die Beiden ebendies.

Die beiden traditionellen Lieder "Matty Groves" (könnte man schon von Fairport Convention oder Joan Baez kennen) und "Bowling Green" (ursprünglich von den Everly Brothers, aber wohl bekannter von Neko Case oder Devon Sproule), teilen sich den Platz nicht nur mit dem Townes van Zandt Cover "Rake", sondern auch mit drei niegelnagelneuen Titeln "Amidst The Movement", "Crying Wolf" und "I Have Returned".

Was soll man sagen, Alela bleibt sich auf dieser EP treu. Die Klänge und Texte sind schön wie eh und je. Ms Diane und auch Ms Hardin (die soweit ich das überblicken kann "Crying Wolf" geschrieben hat) enttäuschen auch diesmal nicht. Eine wunderbare, wenn auch eher stille, EP die einen da erwartet.

Zu erwerben gibts das unbedingt empfehlenswerte Stück ab dem 06.10. aber "nur" als Vinyl oder Download. Also bitte: Plattenspieler raus und auflegen.

Vier von Fünf (imaginären) Sternen

Matty Groves!

#14 Konzert: Tori Amos, Zürich (CH)

2009-09-16T12:51:00.013+02:00

Es war wieder einmal so weit, zur vierten Tori Amos Tour die wir nun miterleben, machten wir uns nach Zürich auf.

Beim Eintreffen am Kongresshaus hörten wir schon die ersten Toriklänge in Form von "Caught a lite sneeze", das sie in diesem Moment soundcheckte (Den Rest des Soundchecks konnten wir leider nicht mehr hören, da wir von einem sehr eifrigen Security-Menschen vertrieben wurden *hüstel*).

Das Kongresshaus verfügt über eine recht schöne Halle mit Empore, die, wie sich herausstellte, über eine tolle Akustik verfügt. Gegen 20 Uhr eröffnete Foy Vance, ein Musiker aus Belfast mit Gitarre, Laptop und Looppedals als Support Act. Das Publikum war schnell von seiner tollen Stimme überzeugt, ebenso von den Liedern, die von leisen Balladen bis hin zu kräftigeren, rockigeren Nummern reichten. Da wurde dann auch mal unorthodox die Gitarre mit dem Geigenbogen gestrichen oder in das Klangloch ebendieser gesungen.

Eine Stunde nach dieser gelungenen Eröffnung betraten zuerst Matt Chamberlain und Jon Evans die Bühne, kurz darauf dann endlich Tori. Das Publikum was schon zu Beginn bester Laune, und bis auf wenige Ausnahmen (z.B. bei "Your Cloud" das so lahm war, dass eben auch das Publikum in diese Laune verfiel) blieb das auch die ganzen zwei Stunden des Konzertes so.

Auffallend war Toris wunderbar kräftige und klare Stimme, kein Vergleich z.B. zur Scarlet's Walk Tour. Die Tiefen und vor allem die Höhen saßen wieder wie zu Anfangszeiten ihrer Karriere. Die Musikerin aus South Carolina begann sehr routiniert, fast schon etwas lieblos die ersten Songs zu spielen ("Give" und "Hotel") um dann ebenso routiniert die Band vorzustellen. Leider waren dies die einzigen Worte ans Publikum während der ganzen Show. Bei "Cornflake Girl" schien Tori etwas aufzutauen und man merkte ihr die Freude am spielen und singen an. Auch das Publikum war sehr angetan. Es folgten "Flavor", "Space Dog", "Concertina", "Jamaica Inn" und "Carbon". Darauf folgte ein klares Highlight: "Bells for Her", das vor allem durch die wunderschöne Pianoeinleitung überzeugte. Auch der Sound wurde zu diesem Zeitpunkt besser, denn zu Beginn war das Schlagzeug etwas zu laut, so dass Toris Pianospiel teilweise zu stark übertönt wurde. Nach einem starken "Mary of the Seas" folgte dann die Lizzard Lounge, sprich: Tori solo. Wie zu erwarten wurde dies dann auch das Highlight des Abends. Sie entschied sich für einen Titel ihres Debutalbums "Mother" und für "Maybe California", beides sehr emotionale Lieder über die Mutterrolle bzw. -schaft. So emotional und rührend wie Tori die beiden Titel wiedergab war ich sicherlich nicht die einzige mit Gänsehaut und feuchten Augen.

Die Band kam zurück auf die Bühne und weiter gings mit eben dem Tiefpunkt des Abends: "Your Cloud". Natürlich ist dies sehr subjektiv, aber wir beide fanden überhaupt keinen Gefallen an dem langweiligen und trägen Scarlet's Walk Titel. Doch mit dem darauf folgenden "Sweet Dreams" erwachte das Publikum, mitsamt guter Stimmung, wieder. Nach "Police Me" ging es nach vorne an die Bühne um das Konzert im Stehen und aus nächster Nähre mitzuerleben. Fast schon rockig folgten dann "Precious Things" und die Zugaben "Strong Black Vine", "Caught a Lite Sneeze", Big Wheel" und zuletzt "Tear in your Hand". Die Zuhörerschaft war nicht mehr zu bremsen, so wurde vorne getanzt, geschrien und mitgesungen und dies freute auch Mrs. Amos sichtlich.

So fand das Konzert nach 20 Liedern ein verschwitztes, fröhliches und kraftvolles Ende. Da kann man nur sagen: Das nächste Mal gerne wieder, liebe Frau Amos (nur bitte ohne "Your Cloud"...).

Und noch zum Schluss: das schreckliche Outfit wird auf Grund der Funktion dieses Blogs als Musikblog geflissentilich ignoriert.

Mehr Bilder gibts übrigens hier: Tori in Zürich

#13 Konzert: Cecile Corbel - Schaffhausen (CH)

2009-09-14T11:55:00.008+02:00

Obwohl wir beide bisher wenig von Cecile Corbel kannten, liessen wir uns gerne überreden, zum Konzert im Kammgarn in Schaffhausen zu gehen. Nur so viel wussten wir: Cecile Corbel spielt - ähnlich wie Alan Stivell - auf der keltischen Harfe und stammt aus der Bretagne. In gemütlicher Café/Bar Atmosphäre ging es pünktlich um 21 Uhr los. In Begleitung von zwei Herren kam Cecile Corbel, ganz in Schwarz, jedoch mit langen, feuerroten Haaren auf die Bühne. Es sollte ein multikultureller Abend werden: der Vortrag in verschiedenen Sprachen - französisch, englisch, spanisch und natürlich bretonisch, die Musik aus den verschiedensten Ländern - Irland, England, Israel, Spanien und vielen mehr. Begleitet wurde die 29-jährige von Gitarre und E-Bass.

Gleich zu Beginn sind wir überrascht von Corbels Virtuosität beim Harfenspiel, die sie übrigens erst in ihrer Jugend zu spielen begann. Da fliegen die Finger über die 34 Saiten, während ihr nackter Fuß den Takt mitwippt. Ihre weiche und kraftvolle Stimme, irgendwo zwischen Kate Bush, aber nicht ganz so schrill und Loreena McKennitt erfreut das Publikum, vor allem dass sie besser klingt als Hörproben erahnen lassen.

Alles in allem ist der Abend in Schaffhausen ein ruhiger Abend, so sind vor allem Balladen auf dem Programm der Musikerin, doch für keltische Musik ist das ja nicht ungewöhnlich. Traditionelle Lieder der Bretagne und aus Irland (so u.a. auch eine aufgepeppte Version von "She moved through the Fair") wechseln sich mit selbsgeschriebenen ab, so etwa "Mary", ein Lied über die einzige weibliche Piratin des 18. Jahrhunderts. Überhaupt fällt auf das sich Cecile Corbel gerne mit den verschiedensten Frauen auseinandersetzt. So hört man von Hexen, oder von "Sally free and Easy", einer Frau mit einem Faible für Seemänner.

Wer einen stimmungsvollen Abend erleben möchte und der keltischen Musik nicht abgeneigt ist, dem empfehlen wir wärmstens Cecile Corbel live zu erleben, momentan ist sie auf Deutschlandtour. Auch wärmstens zu empfehlen sind ihre CD's "Songbook Vol. 1 + 2" und “Harpe Celtique et Chants du Monde".

#2 Verschiedenes: Matt Bauer

2009-09-09T16:59:00.005+02:00

Matt Bauer

Kentucky: bekannt für heiße Sommer, blühende Grasweiden und Vollblutpferde. Eben diese Pferde benennt der dort geborene Matt Bauer als wichtige Einflüsse für seine Musik und sein Leben. Neben den Pferden finden auch musikalische Größen wie etwa der frühe David Bowie oder Nina Nastasia auf dieser Liste platzt. Doch wie gehen Pferde und David Bowie zusammen? Und wie hört sich ein Musiker an, der von Pferden beeinflusst wird?

Doch schon beim Hören der ersten Klänge wird vieles klar. Ein Banjo, so schön und düster. Dann eine Stimme, so warm und angenehm, dass der Hörer unwillkürlich aufhorcht. In der eigenen Vorstellung befindet man sich schnell in Kentucky, auf einer Weide, an einem Strohhalm kauend und von Pferden umgeben. Über den Musiker mit dem ausladenden Bart á la Iron & Wine oder Bonnie `Prince` Billy, zu denen es im Übrigen auch starke musikalische Parallelen gibt, ist wenig bekannt. Was man kennt ist seine Musik, zu hören auf den beiden Alben „Nandina“ (2004) und „The Island Moved In The Storm“ (2008), sowie auf der EP „Wasps And White Roses“ (2006).

Musik machte Matt Bauer schon sein ganzes Leben lang. Aufgeben wollte er sie schon in einer unglücklichen, einsamen Phase seines Lebens, doch dann brachte er sich selbst das Banjo spielen bei und alles änderte sich. „It was something I could do everyday that made me feel alive.” Daher ist es nur logisch, dass das Banjo von da an Matt Bauers Haupt- und Lieblingsinstrument wurde.

Musikalisch wäre Matt Bauer am Besten in der Kategorie Folk, oder vielleicht präziser „Dark Folk“ (ein Begriff der spätestens seit 16 Horsepower kursiert), aufgehoben. Zwar mag der ein oder andere bei dem Begriff Banjo sofort an Country oder Western denken lassen, doch Matt Bauer könnte nicht weiter davon entfernt sein mit seinen fragilen Banjoklängen und der leisen, fast schon isoliert wirkenden Stimme. Durchbrochen wird dieses Schema von einigen Songs die melodiös und fröhlich daherkommen, so etwa seine Version des Amerikanischen Folksongs „Sea Lion Woman“ (das seit Feist wohl allgemein bekannt ist).

Nachdem er zu Beginn des Jahres mit Alela Diane in Frankreich und den Niederlanden tourte, dürfte sein Bekanntheitsgrad gewachsen und seine Fangemeinde sich erweitert haben. Matt Bauers Siegeszug hat gerade erst begonnen ist aber sicherlich noch nicht zu Ende. Wie sollte er auch, bei diesen wunderbaren Banjoklängen?

#37 Neu auf den Ohren: Dolores O'Riordan - No Baggage

2009-08-25T16:35:00.006+02:00

Wer erinnert sich nicht an die gloriosen Zeiten der Cranberries. Natürlich an "Zombie" aber auch an starke, wunderschöne Titel wie etwa "Empty".

Neu auf den Ohren gibt es jetzt das zweite Studioalbum der ehemaligen Cranberries-Sängerin Dolores O'Riordan "No Baggage".

Wie gerne würde ich nun schreiben, das O'Riordans stimmliche Stärke und Besonderheiten dieses Album zu etwas wunderbarem machen, dass sie solo an die Cranberries Zeiten anknüpfen kann, oder zumindest an ihr erstes Soloalbum. Doch leider ist das genaue Gegenteil der Fall.

"No Baggage" ist ein überproduziertes, schludriges Popalbum geworden. O'Riordans Stimme, das Erkennungsmerkmal schlechthin, ist absolut in den Hintergrund gerückt und wirkt so unscheinbar wie sie nur wirken kann. Auch Instrumental ist das Album überladen, so wird alles in Grund und Boden gespielt. Eine feine Instrumentenauswahl scheint nicht stattgefunden zu haben, daher wirkt alles gleichförmig und langweilig. Der reinste Einheitsbrei. Ums deutlich zu sagen: Viel zu viel "Baggage" hat sich Frau O'Riordan da aufgeladen.

Kurz gesagt: dieses Album fügt sich wunderbar in die unscheinbare Musik schlechter Radiosender ein, taugt auch sicher als Hintergrundmusik in Cafés oder zum Bügeln, ernsthaft als gut kann man es aber nicht bezeichnen. Genauer gesagt findet sich nicht ein einziger Lichtblick, kein einziger Titel lässt aufhorchen.

Daher:

Nullkommafünf von Fünf (imaginären) Sternen

#36 Neu auf den Ohren: Jordie Lane - Sleeping Patterns

2009-08-21T09:51:00.007+02:00

Irgendwie muss es am Bart liegen. Musikalität meine ich. So wundert es nicht, dass nach großartigen bärtigen Künstlern wie Bonnie `Prince` Billy, Iron and Wine, City and Colour etc etc auch dieser junge Herr zu den begnadeten Singer- und Songwritern gehört. "Sleeping Patterns" ist Jordie Lanes Erstlingswerk (abgesehen von zwei EPs), aber was für eins. Selten findet man eine solche musikalische Perle.

Der junge Melbourner überzeugt von der ersten Minute an. Okay, zugegeben, da im Eröffnungstrack "The publican's Daughter" gleich ein Banjo vorkommt, fällt es mir, als großer Banjofan gleich leichter, bei der Stange zu bleiben. Doch ja, auch ohne Banjo würde dieses Album funktionieren. Denn dominierend ist wie so oft die Gitarre, natürlich zusammen mit diversem anderen Instrumentarium wie dem obligatorischen Schalgzeug, einer Orgel, Mundharmonika, Bass...

Doch wie soll diese CD musikalisch eingeordnet werden? Jordie Lane bietet vielseitig an, so findet man klassische Gitarrenballaden neben rockigeren Stückchen, etwas Dark Country usw. Doch vielleicht ist die Einordnung in Schubladen nebensächlich, denn wirklich wichtig ist die Stimme der Musikers. Selten hört man so ein schönes Organ, so ein weiches, schwingendes Timbre. Und weil eben gerne Vergleiche herangezogen werden um möglichst vielen Menschen die Platte schmackhaft zu machen hier ein Name: Teddy Thompson. Während Teddy Thompson aber mit seinen letzten CD's in die Tiefen des Mainstream Pop bzw. Coutry abdriftete, macht Jordie Lane genau das, was wir wollen: eine wunderbare, abwechslungsreiche, innovative CD, da wundert es nicht, dass in diversen Reviews "Sleeping Patterns" bereits als Album des Jahres bezeichnet wird. Recht so.

Fünf von Fünf (imaginären) Sternen

Hier eine Liveaufnahme des wunderbaren Eröffnungstitels "The Publican's Daughter" (das auf dem Album aber nochmal mehr kracht!)

#35 Neu auf den Ohren: Lisa O Piu - When This Was The Future

2009-08-18T11:37:00.008+02:00

So, nach einiger Zeit der Dürre habe ich hier nun mal wieder eine meiner Meinung nach sagenhafte Neuentdeckung gemacht. Die Dame nennt sich Lisa O Piu und stammt nicht, wie der Name vielleicht vermuten lässt, aus Italien, sondern mal wieder aus dem Top-Musikland Schweden. Doch skandinavisch klingt die Musik von Lisa Isaksson eigentlich nicht. Vielmehr handelt es sich hier um teilweise richtig geniale Songs in allerbester psychedelic folk Manier, die ich ohne besseres Wissen kurzerhand in die frühen 70er eingeordnet hätte. Lisa spielt demenstprechend häufig Querflöte, Gitarre, Schlagzeug und vieles mehr. Ihre Stimme ganz klar bezaubernd, etwa eine Mischung aus Martha Wainwright und Mariee Sioux, zart und doch souverän, beschert uns gespenstische Stimmungen, nimmt uns aber auch bei der Hand und führt uns wieder heraus ans Licht. When This Was The Future ist ein Album, das es in all seinen Details und Wendungen zu entdecken und bestaunen gilt. Ein unglaubliches Debut, dem hoffentlich genug verdiente Aufmerksamkeit zukommen wird. Für mich Definitiv die Perle des Jahres. KAUFEN!!!!!

Puh. Natürlich ist dann auch meine Wertung 5 von 5 Sternen.

Hier mal wieder auf (dem leider sehr langsamen) Myspace: http://www.myspace.com/lisaolillportan
Hört euch vor allem Cinnamon Sea an, es ist so ziemlich das genialste Lied, das ich seit Langem gehört habe.

Und ein hübsches Filmchen obendrein!

#1 Verschiedenes: Die französischen Damen

2009-08-16T11:32:00.004+02:00

Der Sommer scheint sie mitzubringen, die Lust, verstärkt französische Sängerinnen zu hören, zu schön die Spache, das zarte. Das erwärmt das Herz, egal bei welchen Temperaturen. Hier nutze ich jetzt die Chance meine momentanen Favoritinnen vorzustellen.

Bei einer solchen Fülle qualitativ hochwertiger Damen, beschränke ich mich auf diejenigen, die wunderschönen, leichten französischen Folk produzieren.

Loane, eine Pianospielerin und Vertreterin des süßlichen Chansons macht den Beginn. Das im Vorjahr erschienene erste Album "Jamais Seule" der Französin glänzt durch ein warme Stimme, die zeitweise an die Carla Brunis erinnert, und durch ja, ein Banjo. Leser dieses Blogs könnten schon festgstellt haben, dass dieses Instrument hier sehr hoch im Kurs steht. Aber natürlich kommt man auch in den Genuss des Akkordeons, eben dem Instrument, das am intensivsten das französische Gefühl erschafft. Luftig leichte Melodien zaubern gute Laune und lassen den Hörer vergnügt durch die Wohnung tanzen.

Weiter gehts mit einer ebenfalls jungen und aufstrebenden Musikerin: Marie Cherrier. Das Debutalbum der 25-jährigen "Ni Vue ni Connue" von 2005 sprüht nur so von französischem Charme. Stimmlich noch süßer als Loane (man fühlt sich unwillkürlich an Vanessa Paradis erinnert) fühlt man schon beim ersten Titel "Manouche", dass diese Musik perfekt zur "Fabelhaften Welt der Amélie" passen würde. Auch hier wieder: Akkordeon, Klavier und viel Gitarre. Wer fröhliche und "niedliche" Musik mag, der ist mit bei Marie Cherrier an der richtigen Adresse um sich den Sommer (und Winter und überhaupt) zu versüßen, da braucht man kein Eis mehr.

Abschließen möchte ich mit Jeanne Cherhals "L'eau". "L'eau" (2006) ist bereits das fünfte Studioalbum der Musikerin aus Nantes. Vielleicht könnte man es als reifer beschreiben im Vergleich zu den beiden vorher vorgestellten Alben. Jeanne Cherhals Stimme ist tiefer, nicht süßlich schmachtend. Auch ihre Instrumentierung ist voller. Da hört man doch gerne ein Schlagzeug oder einen Bass oder auch mal elektronische Klängchen, überladen wirkt es aber in keinem Fall. Mit eindrucksvollen stimmlichen Arragements wie bei "Je suis liquide" oder "Rondes larmes" kann sie überzeugen und so jeden Schwimmbadtag verschönern.

In Kürze: mehr von der fanzösischen Musik Front.

#34 Neu auf den Ohren: The Battle of Land and Sea - The Battle of Land and Sea

2009-08-02T14:51:00.003+02:00

Poetische Namen wie etwa The Battle of Land and Sea erregen Aufmerksamkeit. Schnell projeziert man seine Ideen wie die Musik wohl klingen mag in solche Namen. Noch vor dem Hören entsteht so ein Bild von dem was kommen soll. Oft folgt dann die Enttäuschung: wie kann sich etwas mit so schönem Namen nur so falsch anhören? Doch glücklicherweise nicht so bei The Battle of Land and Sea. Das gleichnamige Album kam zwar schon 2007 auf den Markt, hat es aber verdient hier nochmal Beachtung zu finden.

The Battle of Land and Sea sind Sarah O’Shura und Joshua Canny aus Oregon. So finden sich passend zum Heimatort nicht nur Gitarren, sondern auch Banjos auf der Cd wieder. Überhaupt ist alles sehr reduziert. Es geht um die Stimme von Sarah O'Shura, untermalt von sanften Gitarrentönen. Hier und da findet man noch etwas Schlagzeug, aber das war es im Großen und Ganzen dann auch. Und glücklicherweise reicht das schon für eine wunderbar atmosphärische Platte aus.

Die spröde Stimme der Amerikanerin erinnert unwillkürlich an Cat Power. Überhaupt fühlt man sich musikalisch an Moon Pix erinnert. So wir mit einer düsteren, isolierten Stimmung gearbeitet. Dieses düster-reduzierte verleitet dann auch sofort dazu aufzuhorchen und sich der Schönheit der sphärischen Klänge hinzugeben. Ein weiterer Name neben Cat Power wird bei mehrmaligem Hören präsent: Emily Jane White. Denn The Battle of Land and Sea verfolgen ein ähnliches Konzept: nicht zuviel, nicht übertreiben, schlicht und düster. Atmosphärisch und gänsehauterzeugend.

Für dieses gelungene Debut gibt es Vier von Fünf (imaginären) Sternen.

#1 Für faule Augen: Daniel Kehlmann - Ruhm

2009-07-29T13:40:00.005+02:00

Gelesen von Nina Hoss & Ulrich Matthes.

Hier der erste Teil des Ausflugs in die wunderbare Welt der Bücher. Hörbücher, man liebt oder hasst sie. Ich schwanke. Von Hörbuch zu Hörbuch entscheide ich mich neu, greife dann aber doch oft wieder zum Buch. Im Fall von Daniel Kehlmanns Ruhm las ich das Buch vor einigen Wochen und war begeistert. Durch Zufall stolperte ich dann über das Hörbuch und liess mich fesseln.

Die neun ineinander verwobenen und trotzdem individuellen Geschichten des Romans werden von zwei Schauspielern gelesen, Ulrich Matthes und Nina Hoss. Viele Hörer ertragen weibliche Stimmen nicht, hören nur Hörbücher von Männern gelesen. Doch diese Fraktion kann ich beruhigen, denn Nina Hoss hat eine wunderbar ruhige, angenehme und tiefe Stimme. Dagegen steht Ulrich Matthes, der, wie ich finde, eine klassische Hörbuchstimme hat, gegen die wohl niemand etwas einzuwenden hat. Beide Sprecher lesen angagiert, schlüpfen in die jeweiligen Rollen und machen Ruhm zum Hörvergnügen.

Ruhm ist kurzweilig und fesselnd. Man freut sich an den voneinander getrennten und doch immer wieder aufeinandertreffenden Geschichten, so dass man Ende das "große Ganze" erkennt.

Vier von Fünf (imaginären) Sternen

#33 Neu auf den Ohren: The Leisure Society - The Sleeper

2009-07-23T15:51:00.007+02:00

Wieder mal ein wundervolles Album, das ich niemandem vorenthalten möchte. The Sleeper gibt es bereits seit März, doch hierzulande scheinen noch nicht gerade viele davon gehört zu haben. Dabei ist dieses Album – so abgedroschen wie es klingen mag - der perfekte Soundtrack für den Sommer. Luftige Melodien schwirren hier mit Leichtigkeit durch den Himmel, schweben höher und höher und nehmen der Hörer mit auf die Reise. Perfekt eingesetzte Steicher, Bläser, Banjos, eine Ukulele (und vieles mehr) sind eine schöne Bereicherung für tolle Melodien (ja, Ohrwürmer!) gepaart mit der überaus angenehmen Stimme von Nick Hemming. Es handelt sich hierbei nun aber nicht um schnöden Tralalapop, es gibt durchaus ruhigere Momente und für genug Anspruch ist auch gesorgt. Dennoch macht es riensigen Spass, das traumhafte Album zu entdecken und immer wieder zu hören. Ich selbst lasse mich im Moment sogar davon aufwecken und bin danach auch noch gut gelaunt. Es ist beinahe wie eine Droge: alles geht damit irgendwie einfach besser und man möchte nicht mehr ohne sein.
Mein Anspieltipp sind The Last Of The Melting Snow und A Matter Of Time.
4 von 5 Sternen, vertraut mir :o)

Hier natürlich noch der obligatorische Link zu Myspace und ein (zum hören) hübsches Video obendrauf!

#32 Neu auf den Ohren: Sarah Blasko - As Day Follows Night

2009-07-21T16:52:00.005+02:00

Da haben wirs mal wieder: so ein Cover kann aber wirklich alles über ein Album sagen. Sarah Blaskos neues Album "As Day Follows Night" ist eben wie dieses: schlicht, aber doch bunt, nachdenklich und trotzdem süßlich, künstlerisch und vorallem weiblich.

Während die beiden Vorgängeralben "The Overture and the Underscore" und "What The Sea Wants, The Sea Will Have" eher düster bis traurig waren (inklusive Ausnahmen natürlich) wirkt das neue Werk sehr frisch und leicht. Und das trotz trauriger Themen, so vor allem das immer und immer wieder aufgegriffene Thema des Liebeskummers. Während die Texte diese Trauer ausdrücken, ist die Musik doch im allgemeinen auf- und erbauend. Das mag daran liegen, dass man der Australierin anmerkt, dass sie ihren Liebeskummer überwunden hat. So hat auch der Titel "As Day Follows Night" etwas ungemein tröstliches. Denn ja, am Ende eines jeden Tunnels kommt eben doch immer wieder das Licht.

Für das neue Album sind zwölf abwechslungsreiche Titel entstanden. Alle sind außergewöhnlich melodiös und harmonisch, doch eintönig wird es keine Sekunde. Die Titel unterscheiden sich durch vorallem durch eine ausgeklügelte und verschiedenartige Instrumentierung. Klar, die Gitarre steht im Vorergrund, doch wird sie nicht nur verschieden eingesetzt, sondern auch durch diverse andere Instrumente ergänzt, so durch Piano, Streicher, Trompeten, Schlagzeuge und Trommeln uvm.

Gleich belubt einzig Sarah Blaskos Stimme die einen durch das Album trägt. Kaum wiederzuerkennen ist der sehr süßliche, mädchenhafte Klang, verglichen mit den Vorgängeralben. Dabei sollte man meinen, dass die Stimme mit dem Älterwerden nicht jünger wird. Doch zu beklagen ist dies nicht. Im Gegenteil, dieser Anna Ternheim'sche mädchenhafte Klang ist sehr schmeichelnd und angenehm. Manchem mag bei diesem Album der Tiefgang fehlen, doch bei genauem hinhören findet man sie schon, die Tiefen.

Für "As DAy Follows Night" gibt es verdiente Vier von Fünf (imaginären) Sternen

Dank der wirklich durchgehend gelungenen Titelauswahl fällt es schwer ein Anspielbeispiel auszuwählen. Doch da ich ein extrem reizendes Video zu "No Turning Back" entdeckt habe, gibt es eben dieses.

#31 Neu auf den Ohren: Devon Sproule - ¡Don't Hurry for Heaven!

2009-07-17T15:10:00.008+02:00

Devon Sproule, ihres Zeichens begnadete Singer- und Songwriterin (und Ehefrau von Paul Curreri), wartet mir ihrem neuen Album "¡Don't Hurry for Heaven!" auf.

Ihre Qualitäten zeigte sie bereits auf den drei Vorgängeralben "Long Sleeve Story", "Upstate Songs" und "Keep your Silver Shined". Während das Debutalbum noch fast rockig anmutet, folgt mit "Keep your Silver Shined" ein wunderschönes folkiges Album, übervoll mit perfekten Titeln. Das Vorgängerwerk schloss sich daran zwar an, driftete aber schon etwas Richtung Country. Nicht weiter schlimm, da auch auf "Keep your silver shined" die Songschreiber- und Performer Qualitäten der Musikerin aus Virgina nur allzu deutlich waren.

Nun, "¡Don't Hurry for Heaven!" könnte man letztendlich als stark countrylastiges Album bezeichnen, besonders wenn man bedenkt, was Devon Sproule davor bereits geschaffen hat. Das mag nicht unbedingt schlecht sein, aber leider ist von den songtechnischen Highlights, den atemberaubenden Texte und der schönen Umsetzung nichts mehr zu spüren. So handelt "A Picture of us in the Garden" z.B. hauptsächlich von ihren Wohnort in Virginia. Wenigstens bleibt ihre Stimme was sie schon immer war: einnehmend und bemerkenswert.

Trotzdem, wer seine Erwartungen an die Vorgängeralben knüpft, wird höchstwahrscheinlich enttäuscht werden (außer es handelt sich um einen ausgemachten Country-Fan, der beim Klang einer Pedal Steel Gitarre nicht aus Schmerz zusammenzuckt). Daher gibt es leider nur

Zwei von Fünf (imaginären) Sternen (aber die Vorgängeralbem, besonders "Upstate Songs" sind wirklich uneingeschränkt zu empfehlen).

#30 Neu auf den Ohren: Tiny Vipers - Life on Earth

2009-07-14T19:31:00.005+02:00

Es gibt Dinge von denen es nicht genug geben kann. Nehmen wir zum Beispiel Eiscremesorten oder Speicherplatz auf dem Rechner. Unzweifelhaft gehören zu diesen Dingen auch talentierte, weibliche Singer- und Songwriterinnen. Zu denen gehört auch Jesy Fortino aka Tiny Vipers.

Dass die Dame aus Seattle früher eher der Popmusik zugetan war, ist - wenn man den zweiten Longplayer "Life on Eath" hört - schlecht vorstellbar. Ihre Songs bestechen alle durch eine strikte Zurückgenommenheit, so beschränkt sich Tiny Vipers ausschließlich auf Gitarre und Stimme (mit Außnahme eines Klaviers bei einem Titel). Es entstanden 11 sehr klare, ruhige Folk-Songs die nur ein wirklichses Zentrum haben, die Stimme. Die ist klagend, traurig und weich. Wer sich Vergleiche wünscht: Sybille Bayer würde wohl passen, aber auch Ähnlichkeiten zu Cat Powers Gesangsgorgan sind festzustellen.

Klagend und traurig sind Worte maßgeblich für dieses Album. Es geht um die düsteren und schweren Seiten des Lebens. Eigentlich hätte diesem Album eine Winterveröffentlichung besser gestanden, denn wenn ein dunkler Morgen im Winter musikalisch dargestellt würde, dann wohl so.

Leider wird man nach ein paar Liedern der Schwermut müde und fragt sich ob noch mehr kommt. Doch Ausreißer gibt es (leider?) nicht wirklich. Am ehesten könnte man wohl "Time Takes" als solchen bezeichnen. Tiny Vipers ist ihrem Stil treu geblieben, doch dies könnte den ein oder anderen Hörer zur Langeweile verleiten, so gleichmäßig fließt die Musik vor sich hin.

Daher: Drei von Fünf (imaginären) Sternen

#12 Konzert: Roger Hodgson, Tuttlingen (09.07.)

2009-07-11T00:33:00.004+02:00

Je älter ich werde, desto weniger Konstanten gibt es in meinem Leben. Zum Beispiel gibt es noch den Holunderbaum, auf den ich als Kind geklettert bin. Oder unseren Wohnzimmerteppich – der war einfach schon immer da. Und da gibt es Supertramp. Die von mir liebevoll mit rosafarbenem Filzstift eingekrakelten Plattencover beweisen, dass diese Musik einfach schon seit frühester Kindheit immer ein Teil meines Lebens war. Dementsprechend groß war seit langem mein Wunsch, Roger Hodgson - das Superhirn hinter den allermeisten Songs von Supertramp – endlich live zu sehen. Nach gefühlten Tausend verpassten Gelegenheiten bot sich mir nun die Chance, mir meinen lange gehegten Wunsch zu erfüllen, noch dazu in wunderschöner Umgebung auf der Honberg-Ruine in Tuttlingen, gerade einmal 25 Minuten zu fahren. Als ich Anfang Juni erfuhr, dass noch Karten zu haben waren, war mein Glück perfekt und ich blätterte immerhin 56 Euro dafür hin, was meine ohnehin nicht gerade gut gefüllte Studentenkasse noch weiter strapazieren durfte. Aber ich kann eins vorweg nehmen: jeder einzelne Cent war seine Investition wert. Denn: was ich Gestern erleben durfte, war schlichtweg das beste Konzert meines Lebens.
Aber erstmal langsam. Bevor mein Bruder und ich das Konzert sehen konnten, mussten wir es uns durch den Aufstieg zur Burgruine erstmal verdienen. Als ich schließlich oben ankam - mit meiner Gesichtsfarbe einem Feuerlöscher nicht ganz unähnlich – blieb nur wenig Zeit zum ausruhen. Gleich nach Einlass stürmten mein Bruder und ich den Merchandising-Stand (zum Glück gleich, denn nach dem Konzert wurde er von ca. 100 Leuten belagert). Dann noch eine kleine Stärkung in Form eines Biers, und los ging es ins ausverkaufte Zirkuszelt.
Pünktlich um 20:00 Uhr betraten Roger Hodgson und Saxophonist Aaron McDonald die Bühne – ohne Vorgruppe, den die war, wie alle schnell erfahren durften, komplett unnötig. Bereits der Applaus zu Beginn war schlichtweg ohrenbetäubend. Dann gleich als erstes Lied: Take The Long Way Home, was bei mir unmittelbar zu Gänsehaut führte und (als ich mich umdrehte) dem einen oder anderen sogar Tränen in die Augen steigen ließ. Danach wieder unfassbar lauter, tosender Applaus, euphorisches Pfeifen: das Publikum war jetzt schon kurz vor dem Durchdrehen. Etwas vergleichbares habe ich noch nie erlebt, zudem das Zelt ja nun auch nicht gerade riesig ist. Der Lärmpegel hätte einem Stadion in nichts nachgestanden. Weiter ging es unter anderem mit The Logical Song, Give A Little Bit, Fools Overture und vielen, vielen anderen (Setlist wird nachgeliefert), die jedes Mal mit begeistertem Gebrüll beendet wurden. Dass eine wirklich außergewöhnliche Stimmung herrschte, merkte man auch den beiden Musikern an, die sich sichtlich freuten, teilweise sogar aufgrund der begeisterten Reaktionen auf Saxophonsoli nur noch erstaunt den Kopf schüttelten und lachten. Noch nie war ich auf einem Konzert, bei dem ich mich dermaßen über jedes einzelne Lied freute und das Publikum so enthemmt feierte. Ich hatte geradezu das Gefühl, hier ein Stückchen Musikgeschichte zu atmen. Auch Roger Hodgson selbst erzählte, wie gerne er immer noch seine alten Hits spiele und nahm die Zuhörer so mit auf eine Zeitreise durch die letzten ca. 35 Jahre.

Doch es wurden nicht nur die Hits gespielt, beispielsweise gab es auch neueres Material zu hören von seinem (sehr guten) Album Open The Door, oder auch aus den frühen Phasen von Supertramp mit Rosy Had Everything Planned vom Album Indelibly Stamped. Richtig traurig wurde es, als Roger erzählte, dass seine Mutter vor zehn Tagen gestorben war und er für sie das Lied Don`t Leave Me Now spielte und selbst feuchte Augen bekam. Danach wurde er dann aber wieder fröhlicher und scherzte kräftig weiter. Unglaublich, wie sympathisch der Mann ist.

Unfassbar auch, was für einen unglaublichen Sound Rodger Hodgson und sein einfach nur brillanter Begleiter Aaron McDonald zu zweit hinbekommen. Ich vermisste weder Schlagzeug noch Bass - Gitarre, Klavier, das obligatorische Keyboard, Saxophone, Klarinette, Mundharmonika, Melodika, Flöte (und weiß Gott was noch!) schufen eine wunderbare Kulisse, ließen Roger Hodgsons noch immer unverwechselbarer und um keinen Hauch gealterter Stimme dennoch ihren Raum.

Wie gesagt, es fehlte an nichts, keine Störenfriede, geniale Stimmung, unglaublich sympathische Künstler und dann, als Zugabe und Tüpfelchen auf dem i noch School, dann noch eine Zugabe, und noch eine, und da das Publikum immer noch mehr fordert, kommen die beiden – trotz bereits angehender Lichter und Musik – noch einmal (nach bereits über 2 gespielten Stunden) heraus und spielen It´s Raining Again noch ein zweites Mal, einfach, weil es allen so viel Spaß gemacht hat. Danach gehen dann endgültig die Lichter an, ich bleibe noch einen Moment stehen und muss mich erst wieder zurück finden ins Jahr 2009, muss realisieren, was ich gerade erlebt habe – und feststellen, dass meine Arme vom begeisterten Klatschen schmerzen. Danach wieder der Abstieg von der Burg, zurück nach Hause, Stille im Auto, weil wir beide noch kein schnödes Autoradio das Gehörte überdudeln lassen wollen. Heute Morgen wache ich dann auf, glücklich, mit Muskelkater (darüber natürlich nicht ganz so glücklich) und erwische mich den ganzen Tag über dabei, den Anfang von Easy Does It zu pfeifen. Schön war´s!

#29 Neu auf den Ohren: Festival - Come, Arrow, Come!

2009-07-07T20:27:00.004+02:00

Gut, zugegeben, "Come, Arrow, Come!" ist schon im letzten Jahr erschienen. Aus gegebenem Anlass (sprich: eben erst entdeckt und seitdem ohne Unterbrechung am Hören) wird die CD hier aber dennoch besprochen.

Festival sind die beiden Schwestern Lindsay und Alexis Powell. Erstere kennt der ein oder andere vielleicht schon dank ihres (nicht mehr bestehenden) Projekts Cake Bake Betty. Falls nicht, dann soll dies als Empfehlung gelten, sich die beiden CBB CD's ebenfalls zu besorgen und zu genießen!

Schon allein Titel und Cover sind inspirierend, interessant (da nicht 08/15) und schön. Da entstehen natürlich Erwartungen an die Musik. Diese werden nicht nur erfüllt sondern meilenweit übertroffen.

"Come, Arrow, Come!" ist ein schlicht wunderbares Folkalbum. Die beiden Frauenstimmen sind nicht nur schön, sondern harmonieren genauso, wie die Instrumente. So schleicht sich zwischen Piano und Gitarre auch mal ein Banjo und mehr. Doch die Stimmen bleiben Vordergrund, so kommt z.B. der Eröffnungstitel "Fair and True" größtenteils "a capella". Schon bei den ersten Klängen ist der Hörer verzückt. Fast fühlt man sich in eine Zeit versetzt, in der gute handgemachte Musik auf den Feldern und in den Gaststuben Amerikas gemacht wurde.

Mit ihrem Debutalbum ist Festival ein durchgängig ruhiges, doch keinesfalls langweiliges Album gelungen. Die 10 Titel sind so schnell vorüber, dass man sich unwillkürlich fragt, warum es schon aus ist. Und das Gefühl etwas wieder und wieder (und wieder, wieder, wieder) Hören zu können ist nun wirklich nicht alltäglich.

Daher klare Fünf von Fünf (imaginären) Sternen

Ach, die beiden Damen befinden sich übrigens momentan in New York im Studio um ihr nächstes Album aufzunehmen. Yes!

Zum reinhören "Boxcar":

#28 Neu auf den Ohren: Scarlatti Tilt - Gathering Of The Haunted

2009-07-06T12:49:00.008+02:00

Hinter der britischen Band mit dem eigenartigen Namen (einer Kurzgeschichte entnommen) verbergen sich Daisy Chapman, Greg Simmons und Tim Smith. Auf ihrem neuen Album, das bereits 2006 eingespielt wurde, machen sie nun auch genau so eigenartige Musik - der Name ist sozusagen Programm. Beginnt der Opener "Salvation" noch ruhig und zurückhaltend, findet man sich schnell in einen faszinierenden, kraftvollen Strudel wieder; randvoll mit Melancholie, Liebe und Hass, zerrissen zwischen Zärtlichkeit und Aggression. Dominiert wird die Musik von einem allgegenwärtigen, geradezu einschüchternden Klavierspiel, gegen welches Tori Amos wie kalter Kaffee erscheinen muss. Verzerrte Effekte à la Woven Hand, die Daisy Chapmans Stimme ein wenig wie PJ Harvey klingen lassen, ab und zu eine hart angeschlagene E-Gitarre und ein nicht zu knapp betätigtes Schlagzeug erschaffen eine Atmosphäre, deren bedrückend gespenstische Düsternis nicht nur den Thron eines Nick Cave, Jay Munly oder bereits erwähnten Woven Hand zum wackeln bringen dürfte. Wem das jetzt alles als zu gewaltig erscheint, der mag beruhigt sein. Es gibt auch genügend Momente zum ausruhen (z.b. "The Insect´s Party"), einiges zu entdecken und viele bestechend schöne Augenblicke, die das Album noch abrunden.
Ich persönlich bin vollkommen dem Bann dieser Musik verfallen und vergebe deshalb meine Lieblingswertung mit 4 von 5 Sternen (mit einem Auge auf die 5 schielend!!!).
Interessierte mögen einmal auf der überaus ansprechend gestalteten Homepage vorbeischauen oder auf Myspace ein paar Titeln lauschen. Und Daisy Chapmans ebenfalls sehr gutes Soloalbum „And There Shall Be None“ anhören. Viel Spass!

#11 Konzert: Coco Rosie, München

2009-06-29T09:50:00.005+02:00

Eine wilde Kostümierung + fluoreszierende Gesichtsbemalungen + ein wildes Sammelsurium an Geräuschen + klassische Instrumente + ein selbst zusammengabautes Drumkit (aus Rohren, Eimern und Diversem mehr) + eine spezielle Dia- bzw. Videoschau = CocoRosie live.

Eine halbe Stunde Verspätung haben Sierra und Bianca Casady als sie, zusammen mit einem Drummer und Pianisten, gegen halb zehn die Bühne betreten. Schnell merkt man, dass dieses Konzert nicht nur für die Ohren bestimmt ist, sondern dass die Augen sehr gefordert werden würden. Schon die Outfits implizieren das: ein goldener Monokini unter einer glänzenden, mit Erdbeeren bedruckten Leggins, darüber ein Rüschenlätzchen und auf dem Kopf schließlich eine Spitzenhäubchen á la Charles Dickens bei Sierra. Bianca steht ihrer älteren Schwester in nichts nach, so trägt sie einen einteiligen, teilweise zerschnittenen Schlafanzug, darunter eine Latexleggins und über der Brust eine Art Leder-Nieten-Westchen. Im Hintergrund das erste grell-bunte Bild auf der Leinwand und die zwei Mitmusiker, teils in einer Kinderspidermanverkleidung. Dann kanns ja losgehen.

"Buffalo" ist der Eröffnungstitel. Und schon ist man von Sierras wunderschöner, klassischer Stimme in den Bann gezogen. Bianca ist währenddessen an ihrem "Goodies-Tisch". Dort befindet sich alles, was Geräusche machen kann und all dies wird im Laufe des Abends auch eingesetzt.

Sierra zeichnet sich nicht nur durch ihre bemerkenswerte Stimme und die Tatsache aus, dass sie eine Trompete bis aufs genauste imitieren kann, sondern auch durch die Fähigkeit, diverse Instrumente zu beherrschen. Sie wechselt zwischen Klavier, Harfe, Gitarren, einer orientalischen Flöte und mehr. So steht sie meist im Vordergrund, während ihre Schwester eher ruhig an der magischen Geräuschkulisse tüftelt und mit ihrer verzerrten, eigenartig-wunderbaren Stimme die Lieder ergänzt.

Musikalisch befinden wir uns zwischen HipHop, Klassik, Elektro, Folk, Jazz und sogar gospelhaftes ist herauszuhören.

Im Hintergrund auf der Videoleinwand fliegen Tauben, Rappervideos werden gezeigt und vor- und zurückgespult, spielende Kinder, doch vorallem die Frauen und das Frauenbild scheinen das Thema. So sieht man eine muslimische, verschleierte Barbie neben einem "normalen" Modell, Miss Wahlen in den USA und Frauen in Burka. Vor dieser Kulisse folgen "Gallows", "Black Rainbow", "Happy Eyes", Fatherhood", "Milk Man", "Good Friday", "Animals", "Tekno Love Song", "Beautiful Boyz", "K-Hole", "Terrible Angels", "Lemonade", "Promise", "Japan" und "Afterlife Party".

Das Publikum, zu Beginn des Konzertes eher noch ruhig, taut gegen Mitte auf und schafft eine tolle, ausgelassene Atmosphäre, die auch CocoRosie beeindruckt. Schon vor dem letzten regulären Titel "Afterlife Party" hört der Jubel kaum mehr auf. Die beiden regulären Zugaben "Sex Jam" und das Kevin Lyttle Cover "Turn Me On" folgen. Das Publikum ist angeturnt und will mehr. Nach minutenlangem Klatschen, Rufen, Schreien betreten CocoRosie nochmal die Bühne, beide sichtlich erfreut. Ein weiteres Lied, eingeleitet durch einen Kinderreim, folgt und das Publikum freuts.

Insgesamt 1 Stunde und 45 min dauerte das Geschehen in der Freiheizhalle. Wer danach noch nicht genug von den beiden hatte, konnte die Konzert-Exclusive EP "Coconuts, Plenty of Junk Food" erwerben und so die ganze restliche Nacht mit CocoRosie verbringen.

#27 Neu auf den Ohren: CocoRosie - Coconuts, Plenty of Junkfood

2009-06-27T11:37:00.004+02:00

"Coconuts, Plenty of Junk Food" ist zwar nicht der langerwartete Nachfolger von "The Adventures of Ghosthorse and Stillborn", aber immerhin dient die EP als würdige Überbrückung bis zum hoffentlich bald folgenden Album. CocoRosie, bekannt für sehr eigentümliche, wilde und verrückte musikalische Inszenierungen, folgen mit der neuen EP den Vorgängerwerken. Sie schließt sich wunderbar an und birgt doch neue "Verrücktheiten".

Man erfreut (oder erschreckt?) sich an einer katzenhaft miauenden Farbaufzählung zu Beginn von "Joseph City" oder an den HipHop Elementen, den witzigen Krachmacherinstrumenten und den auch den typischen klassischeren Elementen wie etwa das der Harfe. Nach dem Hören findet man den Begriff des "Freak Folk", der den Schwestern bereits länger zugedacht ist, umso passender.

Die fünf Titel des kleinen Werkes entführen den Hörer in die Welt der beiden Schwestern Siera und Bianca Casady. Man findet sich staunend und lächelnd auf Grund der wahnsinnigen musikalischen Ideen und deren kühner Umsetzung. Nein, CocoRosie kopieren nicht und können nicht kopiert werden, daher entfallen auch sämtliche Vergleiche. Als umso bemerkenswerter kann ihre Musik beurteilt werden. Nicht nur beurteilen, sondern genießen sollte man diese. Es bleibt nur, allen Hörern viel Spaß dabei zu wünschen.

#26 Neu auf den Ohren: Regina Spektor - Far

2009-06-22T15:22:00.007+02:00

„Weit“ gebracht hat es Regina Spektor in den letzten Jahren mit ihren Alben „11:11“, „Soviet Kitsch“ und „Begin to Hope“. Nun folgt „Far“. Von 700 Titeln, die Spektor bereits geschrieben haben soll, sind 13 auf ihrer neuen CD zu hören.
Das sechste Studioalbum, der in New York beheimateten Musikerin, besticht wie die Vorgängerwerke durch Individualismus und musikalisches Können. Gekennzeichnet ist dies durch stimmliche, textliche und musikalische Besonderheiten. So ist Spektor nicht nur bekannt für virtuoses Klavierspiel und ein breites Stimmspektrum, sondern auch für spezielle stimmliche Techniken, wie etwa beatboxähnliche Geräusche, die sie in ihre Songs einbaut. Eins kann vorweggenommen werden, auch auf „Far“ sind diese Qualitäten der Musikerin wieder vertreten.

Schon die erste Single „Laughing With“ kennzeichnet das Wesen des gesamten Albums. Es ist weniger verspielt, ruhiger, nachdenklicher und, man könnte sagen, klassischer als vieles bisher gehörte. Glaube und Religion, ein immer wiederkehrendes Thema bei Spektor, steht bei „Laughing With“ im Zentrum. Doch bei „Far“ es geht um viel mehr: um die Gesellschaft, politische Themen und um Liebe, Liebe, Liebe. Aber auch die für sie typischen humoristischen und (selbst)ironischen Anwandlungen, die den Hörer zum schmunzeln bringen, sind auf der neuen CD vertreten. So etwa in „Folding Chair“: „I’ve got a perfect body, though sometimes I forget / I’ve got a perfect body ‘cause my eyelashes catch my sweat“. Ebenfalls wichtiges Element (spätestens seit dem allseits beliebten „Samson“ des Vorgängerwerks) sind ihre wunderschönen Balladen, auf diesem Album am eindrucksvollsten durch „Eet“ vertreten.

„Far“ ist im Vergleich zum Vorgänger „Begin To Hope“, weit weniger überproduziert und überladen. So steht nun das Piano noch deutlich stärker im Mittelpunkt und wird nicht durch eine Vielzahl von anderen Instrumenten oder elektronischen Elementen erdrückt und überlagert. Man wird schnell von Reginas Klavierspiel in seinen Bann gezogen und bemerkt mit Freude ihre klassische Klavierausbildung.

Ein Wehmutstropfen (wenn man dies so nennen kann) ist lediglich, dass die meisten der für das Album ausgewählten Titel schon längst bekannt sind. Sie gehörten zu Spektors Liverepertoire der letzten Jahre und sind somit Teil diverser Livemitschnitte. Hier stellt sich natürlich die Frage, warum man aus über 700 Titeln fast ausschließlich diejenigen auswählt die schon bekannt sind. Vielleicht war dies aber auch beabsichtigt, da so schon im Vorfeld beurteilt werden konnte wie gut die Songs beim Publikum ankommen und somit auch bei den Hörern der neuen CD.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass mit „Far“ ein stimmiges, ideenreiches und vielfältiges Album entstanden ist. Fans werden nicht enttäuscht sein und auch als Einsteigeralbum ist „Far“ zu empfehlen. Es führt in die besondere musikalische Welt der Regina Spektor ein, überfordert nicht und sticht doch angenehm aus der musikalischen Masse hervor. Sicher lässt sich sagen, dass der Hörer nach dem Genuss dieses Albums mit einem Lächeln auf den Lippen vor dem Plattenspieler zurückbleibt.
Es macht Spaß sich mit Regina in die musikalische „Ferne“ zu begeben, „Far“ eben.

Regina Spektor drehte nicht nur ein ganz wunderbares Video zur ersten Single, sondern auch zu meinem Favoriten "Eet". Viel Spaß mit beiden!

#25 Neu auf den Ohren: Kat Flint - Dirty Birds

2009-06-22T11:20:00.011+02:00

Ooooohhh: schon nach zehn Takten weiß ich, dass ich Kat Flint lieben werde. Was ich da höre ist wirklich Musik vom Allerfeinsten, mit der Gitarre als Hauptinstrument und einem bunten Potpourri an Begleitinstrumenten: Klavier, Geige, Melodika, Glockenspiel, alte Koffer, FisherPrice Happy Apple und auch mal einfaches Händeklatschen (auf der Myspaceseite stehen noch einige mehr, die schmunzeln lassen). Über all dem steht Miss Flints wunderbare, facettenreiche Stimme. Diese Lieder bereiten mir wirklich schon beim ersten anhören große Freude, so ausgefeilt und in sich stimmig sind diese 12 mit Herzblut gefüllten Perlen, die auf Dirty Birds versammelt sind. Was mir besonders gut gefällt, ist die Tatsache, dass sich die Künstlerin nie zu ernst nimmt – wer würde sonst wohl eine Schere zum musizieren verwenden? Im Internet lese ich, dass die Frau aus Schottland stammt, schon im Jahr 2008 eine EP veröffentlichte und bereits das Vorprogramm der von Rebekka und mir heißgeliebten Cara Dillon spielte. In den Medien wird sie als "rising star of folk" bezeichnet. Gibt es also noch einen Grund, zu zögern? Nach diesem Video hier vielleicht nicht mehr. Also: erst anschauen, dann kaufen, dann verlieben!
4 ½ Sterne!!!

#24 Neu auf den Ohren: Julia Marcell - It Might Like You

2009-06-14T10:01:00.008+02:00

Heute verlassen wir die üblichen gefilde der Musikherkunftsländer wie etwa die der USA, UK und Skandinavien und riskieren einen Blick nach Polen. Dort entdecken wir die Debut CD "It Might Like You" von Julia Marcell. Nach ihrer 2007 veröffentlichten EP "Show" nun also ein Album.

Deutlich wird schnell, dass das Piano die wichtigste Rolle spielt. Während der ersten Lieder "Outer Space", "The Story" und "Married to Life" fragte ich mich noch: ist das nicht zu pompös, zu überladen zu "klassisch". Gefällt das? oder nicht? Doch dann kommt "Billy Elliot" und man beginnt zu lächeln. Das ist der Moment, den jedes gute Album braucht, ein Aufhören, ein Innehalten. Fehlt dieser Moment, wird das Album meist eingemottet, doch nicht so in diesem Fall. Plötzlich hört man nicht nur die klassischeren Komponenten, nicht nur die wülstigen Streicher, sondern auch den Ideenreichtum der jungen Polin. Glücklicherweise bleibt dieser bei Titeln wie "Side Effects of Growing Up" oder "Fear of Flying" erhalten.

So schafft Juliana Marcell eine Brücke zwischen leichteingängigeren und schwerer zugänglichen Momenten. Oder zwischen der klassischeren Charlotte Martin und der innovativen Regina Spektor. Und ist daher geeignet für so ziemlich jeden, der weiblichen Stimmen mit Piano zugetan ist!

Enden möchte ich in "WOM-Magazin" Manier:
Für Fans von: Tori Amos, Charlotte Martin, Emma Townsend, Regina Spektor

Ein Album mit viel Potential, daher
Dreikommafünf von Fünf (imaginären) Sternen

#23 Neu auf den Ohren: Seth Wood - Abraham

2009-06-12T19:07:00.002+02:00

Eigentlich wollte Seth Wood Filme machen. Welch ein Glück für uns, dass der Mann aus Nashville dann aber während eines Europatrips über eine alte Gitarre stolperte und so sein Schicksal in andere Bahnen gelenkt wurde. Heraus kam letztendlich die EP Abraham, gerade einmal 6 Titel und knappe 25 Minuten lang, und trotzdem strotzt sie nur so vor unverschämt guten Ohrwürmern und herzerweichenden Balladen. Allesamt sind es Kleinode in bester Alternative Folk Manier. Besonders herausheben möchte ich das Titelstück Abraham, welches ich stundenlang in Dauerschleife hören könnte und Banks Of Mercy. Hätten Sufjan und Teitur einen kleinen Bruder, hieße dieser Seth Wood. Unter http://www.sethwoodmusic.com/ gibt es einiges zum anhören. Für mich ist es eine der besten EP’ s, die ich seit langem gehört habe. Eine absolute Kaufempfehlung und hoffentlich nicht mehr lange ein Geheimtipp. 4 ½ von 5 Sternen.

#10 Konzert: Alela Diane, München

2009-06-05T16:33:00.000+02:00

Nun, wer mich kennt weiß: Ich liebe Alela Diane. Ich hab sie im letzten Jahr bereits zwei Mal in München gesehen. Während sie im April 2008 die Rote Sonne nur zur Hälfte füllen konnte, war ebendiese im November dann zum Bersten voll. Daher ist es nicht verwunderlich , dass das Ampere, in dem das Konzert gestern stattfand, gut gefüllt war. Neu für das Münchner Publikum war am gestrigen Abend die Band, denn die beiden Konzerte im letzten Jahr waren ohne diese, jedoch einmal mit Mariee Sioux als Backing-Sängerin, das zweite mal übernahm dann Alina Hardin diese Rolle. Auch sie war gestern wieder mit auf der Bühne, zusammen mit Alelas Vater Tom Menig, dem Bassist Tom Bevitori und dem (als Vogelscheue getarnten) Drummer Banjamin Oak Goodman.

Bevor wir zur musikalischen Gestaltung des Abends kommen zuerst noch offenlichtliches: Während sämtliche Bandmitglieder langhaarig sind, so fehlen eben diese doch bei einer: Alela trägt jetzt kurz. Allgemein ist bekannt, das eine neue Frisur ein Neubeginn ist. So auch bei Alela?

Als die ersten Töne gegen halb 10 erklingen sind Bedenken (oder Hoffnungen?) jedoch wie weggewischt. Alles ist so wunderbar wie es war, man es sich wünscht. So bestreiten die aus Nevada stammende Sängerin zusammen mit Alina Harding die ersten drei Songs alleine. "Lady Divine", "Tired feet" und "Tatted Lace" wurden somit in intensiver und ruhiger Atmosphäre vorgetragen, getragen von Alelas kraftvoller, schwingender Stimme, unterstützt und ergänzt von den Harmonien Hardins. Bei "Dry Grass and Shadows", dass dann folgte, betraten die Bandmitglieder die Bühne. Tom Menig wechselt während des Konzerts professionell zwischen Akustikgitarre, E-Gitarre und Mandoline. Trotz der schönen Untermalung durch die Band passieren einige Patzer. So wird sich fleißog verspielt und Textzeilen werden verwechselt. Gut, verzeihbar, denn die gute und intime Stimmung des Konzerts wird dadurch nicht gestört. Doch vielleicht kann man sagen, dass man die lange vorhergegangene Tour (und wohl vorallem die langen Fahrten) den Musikern anmerkt. Trotzdem herrscht eine ausgelassene Stimmung, so wird auf der Bühne gescherzt und gelacht (sogar der ruhigen Alina Hardin ist mehrfach ein Lächeln abzuringen).

Es folgen "Dry grass & Shadows", "White as diamonds", "The alder trees", "To be still", "Heart of gold" (Neil Young Cover), "Every path", "My brambles", "The ocean", "The rifle", "Oh! My mama" und "Take us back". Nach "Take us back", übrigens sehr intensiv vorgetragen von Alela solo mit stimmlichen der Unterstützung des Bassisten, mit dem sie sich das Mikrofon teilte, verließ die Sängerin die Bühne. Nach minutenlangem Applaus folgten dann die beiden Zugaben "Bowling Green" (trad.) und "The pirate's gospel".

Alles in allem keine Überraschung, da sie die selbe Setliste auch schon auf den vorhergegangenen Konzerten spielte (da bleibt natürlich die Frage nach Spontanität), mit Ausnahme der ersten Zugabe. Nachdem Alela dem Publikum erklärt: "I don't feel like playing the song i usually play at this point of the concert. I've never played this one before. It's a traditional song. My mum used to sing it to me!" folgt "Bowling Green", auch hier wieder ohne Band. Natürlich sind bei dem erwarteten "Pirate's Gospel" wieder alle mit von der Partie und das Konzert endet so mit viel guter Stimmung, Klatschen, Mitsingen und vorallem vielen fröhlichen Gesichtern.

Am Ende hier mein Dank an Christoph für die Fotos (nicht vom Münchner Konzert, sondern vom Konzert in Frankfurt). An dieser Stelle empfehle ich euch sein sehr gelungenes Konzerttagebuch. Eine weitere Review des Konzerts gestern gibts außerdem hier auf "das klienicum".

#22 Neu auf den Ohren: VAST - Me And You

2009-06-04T14:58:00.002+02:00

"I'm a wandering minstrel. These downloads and recordings will be compiled with my pseudo photo-journalistic ruminations on touring in 2008. If I don't die it will all come together to form some kind of art piece in 2008-2009. These songs will not show up on any VAST albums so I am releasing it as Jon Crosby." Tja... oder eben dann doch nicht. Was den eingefleischten VAST/Jon Crosby Fan möglicherweise entnervt abwinken lässt, ist für mich dennoch ein Grund zu großer Freude. Alle auf dem „neuen“ Album Me And YOU versammelten Songs gab es bereits auf Jon Crosby’s Generica-Werken, waren mir bisher aber gänzlich unbekannt. Ich behaupte also dennoch, hier das neue VAST-Album (virtuell) in meinen Händen zu halten, und was ich da höre, gefällt mir wieder ausgesprochen gut. Da die Entstehungszeit wohl rund um 2007 zu datieren ist, wundert es nicht weiter, dass viele der Titel klingen, als kämen sie direkt vom Vorgänger April. So zum Beispiel I´m Afraid Of You, welches auch Tattoo Of Your Name Pt.II heißen könnte: Crosby singt wieder von einer Frau, die ohne Skrupel bereit wäre, ihn bis aufs letzte Hemd auszuziehen (Where is my pride/where is my self-respect/does it serve any purpose to you?/I’d never leave, I am too fucking scared of what you and your lawyers might do). Überhaupt beschäftigt sich das gesamte Album in wunderbaren, bittersüßen Melodien eingehend und ausschließlich mit dem Thema Frauen, sowohl (und überwiegend) negativ (s.o., You’re The Same, You Destroy Me) als auch (manchmal) positiv (You Are The One,…). Der Mann hat wohl ein eher gespaltenes Verhältnis zur Damenwelt... Crosby ist mit seiner Stimme über jegliche Form von Kritik erhaben – er klingt wie der wiederauferstandene Jim Morrison und meistert sämtliche Höhen und Tiefen souverän. Insgesamt ist es also wieder ein sehr gutes Album, nicht unbedingt überaus anspruchsvoll oder der ganz große Wurf, aber doch immerhin sehr unterhaltsam. Lediglich in der Mitte ist eine leichte Durststrecke vorhanden (für VAST-Begriffe eindeutig ZU ruhig), danach geht es aber mit dem fantastischen Hotel Song wieder steil bergauf. Man höre sich diesen bei Interesse als erstes an (ich kann aber gerade nirgends einen Link finden, schade).
Mein Fazit also: ob alt oder neu – mir doch egal. Ich freue mich über ein schönes und gelungenes Album, das ich mit Sicherheit noch sehr, sehr oft hören werde. Deshalb 3,5 Sterne.

#9 Konzert: Scott Matthew, München

2009-06-02T09:20:00.000+02:00

Manchmal spielt das Glück eben doch mit. So gestern, als Scott Matthew umsonst und bei tollem Wetter auf dem Theatron Pfingstfestival spielte. Mitgebracht hat er Laura Barrett, die auch bei seiner regulären Tour das Vorprogramm bespielt.

Laura Barrett, eine junge Musikerin, die die Kalimba spielt (yay, mal was anderes), eröffnete gegen 21 Uhr. Mit "Wood Between World" beginnt sie, drei weitere Songs folgen (u.a. einer über "robot ponies"). Während ihr teilweise etwas schiefer Gesang zu Kommentaren führt wie: "Die ist ja fast wie Björk!" (Oh, wie liebe ich diese Konzertlaberer, die die tollsten und vor allem falschesten Vergleiche EVER bringen), konnte sie das Publikum durchaus begeistern.

Während sich die Nacht (und Kälte) über das gut gefüllte Theatron senkt, betritt Scott Matthew die Bühne, zusammen mit einem Bassisten, einem Cellisten und einer Keyboarderin. Er selbst ist an der Gitarre und einer Ukulele (?) zu genießen. Bestens gelaunt ("It's very relaxing here, i've already had a bottle of this red wine!") beginnt er sein Set mit "Dogs".

Im Weiteren spielt der Australier eine über eine Stunde dauernde Setlist. So folgt auf "Dogs" "Community", dann mein Favorit des neuen Albums "For Dick", vorgetragen in wunderschöner und intensiver Art und Weise. Dann kommen "Every Traveled Road", "Wolverine" ("This is not about that Movie with Hugh Jackman in tight trousers...hmmm, maybe my next album will be about this..."), "Thistle" ("my rock song"). Dann folgt ein Track des "alten" Albums "Abandoned". Und auch hier wird wieder überdeutlich, wie erschreckend intensiv es Scott Matthew vermag, seine Songs auch live darzubieten. So spürt man eine Gänsehaut, die sich langsam ausbreitet...es ist aber auch zu schön! Weiter geht es mit "Little Bird", "There's an Ocean that Divides", "White Horse" und "Friends and Foes" von dem er erklärt: "This Song is about Hope. I have a lot of hope". Dann verlässt er die Bühne, schon 15 Minuten später als vorgeschrieben (wegen Ruhestörung muss eigentlich um 22 Uhr Schluss sein). Da aber das Klatschen nicht verebbt, betritt er die Bühne nochmals zu einer Zugabe. Einem Cover von Kris Kristofferson ("I want him to be my Dad!") "Help me Make it Trough the Night". Danach ist dann aber wirklich Schluß und das Publikum strömt hinaus in die Nacht, mit kalten Fingern aber warmen Herzen (so zumindest ich).

Ach ja, und Scott Matthews dieses Jahr erschienenes Album "There's an Ocean that divides..." lohnt sich zu kaufen. Ich höre es seit Monaten sehr gerne und oft! Und da hier die CD-Review fehlt, auf diesem Wege also: tolles Album, unbedingt haben und hören!

#21 Neu auf den Ohren: Iron & Wine - Around the Well

2009-05-29T21:13:00.003+02:00

Diese Kritik wird kurz sein. Kurz und sehr schmerzhaft (zumindest für Iron & Wine).

Ihr neues Doppelalbum "Around the Well" gibt es seit 19.05. zu erwerben und ich (wie viele andere sicher auch) war gespannt. Gespannt auf den Nachfolger von so grandiosen Alben wie Our Endless Numbered Days und wunderbaren Titeln wie "Woman King".

Doch schon nach kurzem Reinhören hatte ich eine Befürchtung die sich bestätigen sollte: Das neue Album ist 1) langweilig, 2) ohne Höhepunkte und 3) quälend lang. Während man sich beim 5. Lied gähnenderweise fragt, ob es sich noch um das Erste handelt (so gleichförmig läuft die Musik an einem vorbei), fragt man sich spätestens beim 8. wann es denn nun endlich vorbei ist (um dann festzustellen das man es nicht einmal durch die erste CD geschafft hat).

Liebe Iron & Wine, diese Kritik tut mir (als ehrliche Bewunderin eurer Musik) leid, sie entspricht aber eben der traurigen Wahreheit. Nun ja, wir hoffen einfach weiter auf das nächste!

Daher:

Einen (und den auch hnur wegen meiner Grundzuneigung zur Band) von Fünf Sternen

#20 Neu auf den Ohren: Patrick Wolf - The Bachelor

2009-05-26T10:26:00.001+02:00

Das neue Album "The Bachelor" des Ausnahmekünstlers (statt Ausnahmekünstler steht bei allen anderen Kritiken die sich mit Herrn Wolf befassen das Wort "Paradiesvogel"...einfallsreich oder?) Patrick Wolf erscheint zwar erst nächste Woche, führt aber schon zu reichlich Aufruhr und Begeisterungsstürmen. Angebrachterweise fragt sich da der Musikliebhaber?

Zuerst zu den Infos: Nachdem sich Patrick Wolf gegen seine erste Idee ein Doppelalbum mit dem Titel "Battle" zu veröffentlichen entschied, kommt nun "The Bachelor" welches zu Beginn des nächsten Jahres mit "The Conqueror" ergänzt wird. Dies bedeutet: doppelte Vorfreude. Klug, der Patrick Wolf. Für die Aufnahmen holte er sich die Unterstützung von Produzenten, Sänger/innen (Matthew Herbert, Alec Empire, Eliza Carthy und Thomas Bloch) und sogar eine Schauspielerin. So ist Tilda Swinton auf drei der Titel sprechenderweise zu hören ("Theseus", "Thisket" & "Oblivion"). Besondere Erwähnung verdient meiner Ansicht nach Eliza Carthy, die den "weiblichen" Part auf dem titelgebenden Track singt. Während ich (und wohl viele andere) Eliza Carthy als Folkmusikerin mit zwar tiefer, aber nicht männlicher Stimme, kenne, war ich extrem überrascht, als ich rausfand, dass es Elizas Stimme ist, die so männlich, harsch und doch wunderbar auf "The Bachelor" tönt. Da ich nun schon einen der Titel ansprach, möchte ich hier gleich ergänzen, dass eben dieser der Beste des Albums ist. Mitreissend, dank der Geigen sogar etwas folkig und einfach wunderbar. Zum wieder und wieder und wieder...hören.

Das gesamte Album ist ein, ja so kann man es durchaus nennen, überladenes, pompöses musikalisches Meisterwerk. Weder mit elektronischen Klängen, noch mit Instrumenten aller Art (Piano, Geigen, Cembalo...) wird gespart. Dazu kommt die Stimme des jungen Briten, die über allem steht, teilweise gedoppelt wird oder etwas verzerrt, doch immer durch eine faszinierende Klarkeit brilliert. So ist es zwar ganz nett, Tilda Swinton sprechen zu hören, die Unterstützung bräuchte Patrick Wolf aber im Grunde nicht. Er selbst reicht völlig.

Das erste Hören kann überfordern, doch man erkennt sofort, dass das Album gefüllt, ja übervoll, mit Titeln ist, in die man sich sofort verliebt, die man sofort nochmals hören will. Man kann sich kaum entscheiden welches nun der Beste Track ist, zumal man bei jedem hören neues entdeckt, so vielschichtig ist das dargebotene. So sind viele der Titel extrem mitreissend ("Oblivion", "Damaris", "The Bachelor", "Count of Casualty") und man findet sich in der U-Bahn (oder anderen öffentlichen Plätzen) absolut verzückt (verzaubert vielleicht sogar?) zum Takt wippen, ohne die Blicke der anderen zu realisieren. Während das Album vorrangig die etwas beschwingteren, lauteren Töne vorantreibt, so ist doch für die leiseren Töne gesorgt, so bei "Thisket" und "The Sun is often out". Zwar wirken auch diese Tracks durch Streicher epochal, doch an Schönheit mangelt es definitiv nicht.

Ich empfehle dieses Album allen, die sich nicht mit dem Typischen zufriedengeben (wollen) und die gerne bereit sind, elektronische Klänge und dramatisch aufgebauscht Titel zu akzeptieren. All dies meine ich im positivsten Sinn, denn Patrick Wolfs "The Bachelor" ist eines der besten Alben, die ich in den letzten Jahren hören durfte. Also ran an das gute Stück!

Keine Frage:

Fünf von fünf (imaginären) Sternen

Und natürlich der Bachelor zum hören (Ist es nicht UNFASSBAR, dass da wirklich Eliza Carthy singt?????)

#19 Neu auf den Ohren: Yusuf - Roadsinger (To Warm You Through The Night)

2009-05-22T23:13:00.001+02:00

Ein neues Cat Ste…äh, Yusuf Islam Album, na ja, wens interessiert - das dachte ich zuerst, als ich mich kürzlich durch die anstehenden Neuveröffentlichungen klickte. Mit dem letzten Album war das ja so eine Sache: zu gut gemeint war alles, zu gezwungen, zu sehr um positive Botschaften und ein erfolgreiches Comeback bemüht, zu viel einfach von allem und dennoch hinterließ es einfach keinen bleibenden Eindruck. Dementsprechend wird An Other Cup heute auf einigen Supermarktwühltischen billigst verramscht und vergammelt wahrscheinlich bei einigen Unerschreckbaren in den Regalen zwischen Kuschelrock und Rosenstolz. Keine guten Vorraussetzungen also, um nun Roadsinger (To Warm You Through The Night) sonderlich lieb zu gewinnen. Mit entsprechend skeptischem Stirnrunzeln und Erwartungen, die gleich Null liegen, drücke ich auf Abspielen…und was ist das? Habe ich die falsche CD eingelegt? Möglicherweise habe ich mich vergriffen und eines meiner heißgeliebten Cat Stevens-Alben aus den 70ern eingelegt? Doch nein, es ist tatsächlich (natürlich) brandneu, und doch klingt das, was ich da höre, wie der Cat Stevens von damals, dessen Musik mich verzauberte und als Achtjährige beschließen ließ, Gitarre zu lernen, um dessen Songs spielen zu können (was ich immer noch nicht kann, aber das gehört hier nicht hin). Verhält es sich hier also ähnlich wie bei Raider und Twix? Anderer Name auf der Verpackung, aber gleicher Inhalt? Ich sage mal: fast. Natürlich ist doch alles aufwändiger produziert und der gute Mann mittlerweile um einiges gealtert, was sich in seiner Stimme nicht verbergen lässt. Und dennoch klingt er frischer als zuvor. Woran das liegen könnte, liegt mir fern, festzustellen. Ich habe aber das Gefühl, der alte Knacker (Verzeihung!) hat einfach wieder einen Heidenspaß am Musizieren. Die Lieder verbreiten eine Leichtigkeit, wie ich es nicht mehr für möglich gehalten hätte. Man höre sich Thinking 'Bout You an, oder Everytime I Dream, oder The Rain, oder, oder, oder…ich komme gar nicht mehr nach mit Gutfinden und mich wie ein kleines Kind zu freuen. So komme ich aus dem Staunen kaum noch heraus, wie unerwartet mich dieses Album doch umwerfen konnte. Es gibt genau einen einzigen Moment, den ich als gerne schnell kritisierender Mensch gerade noch bemäkeln kann: den Kinderchor in To Be What You Must, der ist dann doch ein Hauch übertrieben. Aber selbst dieser wird gefolgt von wohl einer der schönsten Klaviereinlagen seit Sad Lisa. So lautet mein Fazit zu meinem eigenen Erstaunen: 4 1/2 von 5 Sternen, mit offen stehendem Mund und platt am Boden liegend.

Überzeugt euch selbst:

#18 Neu auf den Ohren: Gemma Ray - Lights Out Zoltar!

2009-05-17T20:10:00.001+02:00

Schon nach lediglich kurzem betreiben dieses kleinen Musikblogs lernen wir die Vorzüge kennen: So bekamen wir die am 26.06.09 erscheinende CD "Lights Out Zoltar" der britischen Sängerin Gemma Ray als Promo zur Verfügung gestellt. Welch Luxus und Freude!

Gemma Ray, die im letzten Jahr ihre gefeierte, jedoch relativ wenig beachtete Debut CD "The Leader" veröffentlichte, bringt nun also dessen Nachfolger auf den Markt. Während das Debut ein eher dunkles Album war (auch bedingt dadurch, dass die Sängerin während des Entstehungsprozesses die meiste Zeit mysteriös erkrankt im Krankenhaus verbrachte - und das unter Drogen, wie sie selbst sagt) ist der Nachfolger etwas heller, ja, leichter. Was bleibt ist aber die intensive Stimme, kombiniert mit ebenso intensiven Texten und Instrumentierung. So bleibt Gemma Ray ihrem Stil treu. Treu blieb sie auch der Zusammenarbeit mit Michael J. Sheehy (der im Übrigen auch in Kürze mit einem neuen Album aufwartet) mit dem sie eine (musikalische) Freundschaft verbindet. Vielleicht ist auch dies mit der Grund, weshalb sich beide Alben so sehr "nahe stehen". Dies ist ein Kompliment, denn "The Leader" glänzt gerade durch die intensiven Stimmungen die sie in ihrem neuen Werk durchaus wieder einfangen konnte, so z.B. bei "Dig me a River", das ich mir auch sehr gut schon auf "The Leader" hätte vorstellen können. Doch wie schon erwähnt hält das neue Album nicht mit Überraschungen hinter dem Berg. So ist "(You got me in a) Death Roll" durch einen mitreissenden Rhytmus gekennzeichnet. Man findet sich fröhlich mitwippend vor seiner Anlage wieder. Und obwohl Gemma Ray bei der Albumproduktion weitestgehend (ausnahme Mr. Sheehy) alleine arbeitete (so nahm sie die meisten Instrumente auf, produzierte selbst...) hat doch ein Duett auf dem Album seinen Platz gefunden. Zusammen mit Joe Gideon singt sie "1952". Trotz ihres "Alleingangs" (daher vielleicht" auch die intensive Stimmung) schafft sie ein opulentes Werk. Die Musik wirkt sehr voll und geschlossen. Unterstützt durch ihre Stimme wird daraus ein fürchterlich schönes Album, welches es sich lohnt zu hören, ja, zu kaufen!

Vier von Fünf (imaginären) Sternen

Ach übrigens: Gemma Ray wird u.a. in Deutschland auftreten (besonders ans Herz legen möchte ich den einzigen süddeutschen Auftritt zusammen mit Lambchop in Dachau):

AUF TOUR IM MAI, JUNI UND JULI
21.05. Hamburg, Knust / 22.05. Hannover, Café Glocksee
24.05. Berlin, Café Zapata / 28.05. CH-Zürich, El Lokal
28.05. Zürich, El Lokal
30.05. Ebensee, Kino / 31.05. A-Wien, B 72
31.05. Wien, B72
01.06. Frankfurt, Mousonturm (mit Maximilian Hecker)09.07. Dachau, Rathausplatz (als support von Lambchop)

Auf Gemma Rays myspace Seite: http://www.myspace.com/gemmaraymusic kann man 3 der neuen Songs hören. Besonders empfehlen möchte ich (You got me in a) Death Roll!

#17 Neu auf den Ohren: Tori Amos - Abnormally Attracted to Sin

2009-05-14T09:28:00.001+02:00

Schwierig ist es als jahrelanger, treuer Tori Amos Fan eine CD-Review zu schreiben die sich nicht als "Tendenzjournalismus" bezeichnet werden kann. Trotzdem hier mein Versuch einer (mehr oder weniger) konstruktiven Kritik.

Tori's 10. Studioalbum heißt also "Abnormally Attracted to Sin", ein Titel der mich zuerst etwas verunsicherte, so fühlte ich mich doch an Britney Spears & Co. erinnert. Auch das Cover: eine jugendliche, sexy dreinblickende, sich auf einem Bett räkelnde Tori, verstärkte diese Eingebung. Doch man weiß natürlich nichts bevor man die Musik nicht gehört hat. Und dies kann ich vorwegnehmen, sie lohnt sich zu hören.

Auch die neue CD ist ein Mammutwerk, 17 Titel (+Bonustrack). Diese Längen kennt man schon von den Vorgängerwerken. Während die Beschwerde die CD wäre zu kurz bei vielen Künstlern zutrifft, traf bei Tori in der Vergangenheit leider oft das Gegenteil zu. So wünschte man sich eine bessere, klügere Auswahl der Titel, die man dann im Endeffekt selber traf, jedoch trotzdem enttäuscht war über die Anzahl der (subjektiv) "schlechten" Titel. Bei "Abnormally Attracted to Sin" verhält es sich glücklicherweise etwas anders.

Tori schafft es, einen Liederzyklus zu präsentieren, der kaum einen Wunsch offen lässt. Von laut bis leise, langsam bis schnell, voll instumentiert und pianolastig, von gehaucht bis exzessiv gesungen, elektronisch bis klassisch werden alle Bedürfnisse befriedigt.

Den Einstieg macht "Give" ein extrovertierte Titel der mich sofort an ihre Choirgirl Hotel Phase denken ließ. So spielen das Schlagzeug und die E-Gitarre eine dominante Rolle (als Eröffnungstrack bei Live Auftitten prädestiniert), Toris Stimme: klar, sich überschlagend, sexy. So mag man das. Und schon befindet man sich mitten im Tori'schen Strudel. Es folgt Lied über Lied und man lässt sich gerne mitreißen von den "sexy"-selbstbewussten Songs wie "Strong Black Vine", "Abnormally Attracted to Sin", "That Guy", "Police Me", "Fast Horse" (man beginnt zu erahnen, warum dieses Album genau diesen Titel hat), die teilweise durch elektronische Elemente ergänzt werden, aber immer durch ein starkes Piano und Konsorten geleitet werden. Von den wunderschönen ruhigeren, wie meinem Favorit "Curtain Call" das durch eine glänzende Pianomelodie, Toris wunderbare Stimme und den Text sofort auffällt, oder auch "Ophelia", eine schöne Ballade die leicht zu Scarlets Reise gehören könnte. Ja, man erwischt sich mit Gänsehaut und Tränen in den Augen beim Hören einiger dieser Songs. Auch gefälligere Titel fanden den Weg auf "Abnormally Attracted to Sin". So die mitreissende erste Single "Welcome to England". Aber leider auch Titel wie "500 Miles" und "Mary Jane", die einen vor Plattheit ("His body like a sculpture - Almost decorated" - Britney Spears ahoi) erschaudern lassen. Wo wir gerade beim Thema erschaudern sind: es gibt einen Totalausfall der praktisch alles je dagewesene bei Weitem übertrifft (sogar "Ireland"): "Not Dying Today". So möchte ich die hochverehrten Leser dieses Blogs mit diesen Textzeilen beglücken: "music, good friends, I'm not dyin' today. I may be 6 feet under full of wonder - I'm not dyin' today - Dyin' today - I'm not dying mister- today". Nun, das ist nicht mal mehr Britney Spears Niveau. Glücklicherweise muss man aber sagen, dass dies wirklich der einzige Totalausfall ist. Alles andere liegt im Ohr des Hörers. Außerdem kann man sich bei 18 Titeln wieder beruhigt seine eigene Albumversion erschaffen und den ein oder anderen Song getrost weglassen. Meine Version sieht im Übrigen so aus:

1. GIVE
2. WELCOME TO ENGLAND
3. STRONG BLACK VINE
4. FLAVOR
5. MAYBE CALIFORNIA
6. CURTAIN CALL
7. POLICE ME
8. THAT GUY
9. ABNORMALLY ATTRACTED TO SIN
10. STARLING
11. FAST HORSE
12. OPHELIA
13. OSACAR'S THEME

Was bleibt zu sagen: ein Tori Album, das es sich lohnt zu hören (jedoch nicht zu sehen. So finde ich die "Visualettes" der Extended Edition extrem nutzlos und wenig aufschlussreich oder auch nur ästhetisch). Ein Album das einen zum Schwärmen verleitet, selbst als (in den letzten Jahren) oft leidgeplagten Tori Fan. Daher bekommt es

Vier von (imaginären) Fünf Sternen (5 Sterne gibts erst wieder wenn Tori es schaffen sollte Songs selbst auszusortieren!)

Hier als Hörproben meine liebsten Titel des Albums (und gleichzeitig der Beweis, dass die Visualettes nichts taugen):

Ophelia

Curtain Call (wunderbare Live Aufnahme, keine Angst vor dem Visualette)

#16 Neu auf den Ohren: Susie Suh - Susie Suh

2009-05-11T15:42:00.002+02:00

Ich gebe es ja zu: manchmal brauche auch ich eine Ration von leicht verdaulicher Musik. Dass mir in diesem Fall aber auch kein einfaches mainstream-tralala-Gedudel (von dem mir wahrscheinlich sonst der Kopf explodieren würde) ins Haus kommt, versteht sich von selbst. Jetzt hatte ich das Glück, über Susie Suh zu stolpern. Die Frau, die u.a. Joni Mitchell und Beth Gibbons als Einflüsse angibt, schafft es einfach auf eine tolle Art eingängige Songs zu schreiben und dabei trotzdem noch mit einigem Anspruch aufzuwarten. Hinzu kommt ihre außerordentlich warme Stimme die klingt, als hätte würde sie Honig direkt aus dem Eimer trinken. Und, was noch wichtiger ist: nach bereits vielfachem Hören in den letzten Wochen gab es noch keine Spuren von Abnutzung oder Ermüdung. Mal wieder sehr schade, dass es dieses Album seit seiner Veröffentlichung 2005 bisher nicht leicht hatte, bei einem größeren Publikum im Plattenschrank zu landen. Aber es ist ja auch irgendwie schön (zumindest für uns), dass es viele solcher Geheimtipps gibt. Von mir gibt es 3 ½ von 5 Sternen für das Debutalbum von Susie Suh, das mich mit seiner Kurzweiligkeit überzeugen konnte.

#15 Neu auf den Ohren: Lisa Ekdahl - Give me that Slow Knowing Smile

2009-05-11T09:56:00.002+02:00

In der Kategorie "Titel die mich ansprechen" würde es das Album von Lisa Ekdahl mit Sicherheit auf die vorderen Ränge schaffen. "Give me that slow knowing smile", wenn das nicht auf der Zunge zergeht. Zusätzlich zu diesem Titel gehört dann noch dieses liebliche, französich anmutende Cover, das eine zerbrechliche, zarte Frau zeigt. Wenn das nichts ist. Und jeder, der sich demnach nun versucht vorzustellen, was diese Dame für Musik macht, sollte richtig liegen.

Das 10. Studioalbum der Schwedin ist das erste das ich höre. Nachlesen kann man, dass es sechs Alben auf schwedisch gibt, 4 auf Englisch und die letzten in Richtung Jazz gingen. Doch was ist nun mit diesem Exemplar hier?

Wie bereits angedeutet ist die Musik so zart und süßlich wie man es hofft, sobald man das Cover siehrt. Lisa Ekdahls mädchenhafte Stimme (die mich an eine Chanteuse francoise à la Olivia Ruiz erinnert) trägt einen sanft von Lied zu Lied. Ja, dies ist eine CD zum sich zurücklehnen, zum entspannen, genießen. Die verbliebenen jazzigen Elemente und die ansonsten auch reichen Instrumentierung förden die Vorstellung eines sonnigen Sonntags auf dem Balkon. Hört sich kitschig an? Ist es auch. Und das ist wunderbar!

Der Stil dieses Albums wird von der ersten bis zur letzten Sekunde konsequent durchgezogen so dass ein in sich geschlossenes, schönes Album entsteht das es sich lohnt zu hören und dem ich

Dreieinhalb (mit grundsätzlicher Tendenz nach oben) von Fünf (imaginären) Sternen gebe.

Und während ich mich nicht entscheiden kann, welcher der Titel am zauberhaftetesten (ja, jetzt kommt es dicke mit den süßlichen Worten) ist, so gibt es hier nun den Titelgebenden Song:

#14 Neu auf den Ohren: Bob Dylan - Together Through Life

2009-04-29T18:47:00.002+02:00

Nun, dass Albumveröffentlichungen großer Singer- und Songwriter enttäuschend sein können, das wissen wir alle seit Neil Youngs letzter Veröffentlichung. Bob Dylan zieht nun mit einem neuen Album nach: Together Through Life. Das Soundsodreißigste Studioalbums des genialen Musikers.

Wie auch schon Neil Young, will sich nun auch Bob Dylan irgendwie neu präsentieren, so erinnert nicht nur das Cover an eine Jeans Werbung der heutigen Teenie-Generation, nein, außerdem gibt es Zuwachs instrumenteller Art auf dem Album dank eines Akkordeons. Eben dieses schlägt schon auf dem beginnenden Track: "Beyond here lies nothing" durch. Und was soll man sagen, Bob Dylans rauhe, teilweise extremst kratzige Stimme ("My wives home town") und das Akkordeon passen gut zusammen, sogar perfekt. Neuerung geglückt, würde ich sagen.

Ansonsten schwingt das Album zwischen Folk, Blues und countrylastigen Elementen ("This dream of you"), beides Genres die Dylan Fans wohl bekannt sind und die nach wie vor gut funktionieren. Er schafft es sich selbst treu zu bleiben, teilweise in dem er sich eng an bereits dagewesenes hält (so könnte z.B. "I feel a Change comin' on" bereits vor 40 Jahren geschrieben worden sein) und kombiniert dieses Altbekannte mit neuen Klängen und seiner wunderbar, gealterten Stimme (man möchte ja kaum glauben das Herr Dylan bereits 67 ist).

Nun, den ein oder anderen Wehmutstropfen gibt es natürlich trotzdem zu beklagen. Dylan holte sich einen Co-Autor für dieses Album zu Hilfe. Da ist es kein Trost zu wissen, das diese Co-Autor bereits mit Dylan zusammengearbeitet hat, nein, man fragt sich nur warum einer der genialsten Songschreiber einen Co-Autor braucht? Einfallslosigkeit? Aber sollte man ein Album veröffentlichen wenn einem nichts einfällt? Außerdem fehlen mir die wirklichen, intensiven Lichtblicke musikalischer Art. Obwohl Dylan ein stimmiges Album geschaffen hat, ohne Totalausfälle, fehlt ein "Ballad of a Thin Man" oder "Tangled up in Blue". Also mir zumindest...

Daher gibt es:
Drei von Fünf (imaginären ) Sternen

Zum reinhören der sehr gute Eröffnungstitel:

#13 Neu auf den Ohren: Samantha Crain - Songs In The Night

2009-04-29T15:56:00.001+02:00

Seit Alela Diane vor allem in Europa interessierte Folkfans betört, tauchen glücklicherweise weitere Kandidatinnen auf, die man guten Gewissens in die gleiche Richtung einordnen darf. Eine davon ist die 22 Jährige Samantha Crain aus Oklahoma. Ihre Musik ist im Gegensatz zu ihrer obengenannten Kollegin aber insgesamt flotter und fröhlicher. Bereits im Jahr 2008 erschien ihre "The Confiscation EP", die mich hellauf begeisterte. Seit gestern gibt es nun auch ein komplettes Album mit voller Band – nicht, dass die Verstärkung unbedingt nötig gewesen wäre. Im Gegensatz zur EP gibt es aber hier nun deutlich mehr Gitarren, die im Hintergrund für eine dichtere Soundkulisse sorgen und Mrs. Crains wunderbare, unglaublich starke stimme eine perfekte Basis liefern. Ergänzt wird nicht selten um eine Mundharmonika, die der Musik noch einen Touch von Lagerfeuerromantik verleiht. Songs In The Night ein rundum ausgewogenes, sehr intensives Album, das sich mit jedem Hören ein Stückchen weiter ins Ohr bohrt. Insgesamt gefallen mir aber die Lieder der EP noch um einen Hauch besser, da diese doch noch mehr auf den Punkt gespielt sind. Deshalb empfehle ich diese als Einstieg, um dann mit der CD so richtig warm zu werden. Von mir 4 von 5 Sternen.

Mehr Musik zum antesten hier auf der Myspace-Seite http://www.myspace.com/samanthacrain

Und hier noch mein Lieblingslied Traipsing Through The Aisles

#8 Konzert: Antony & the Johnsons, München

2009-04-27T09:24:00.000+02:00

Nun, seit Dezember hängt das Ticket zu Antony & the Johnsons an meinem Kleiderschrank, und trotz mehrfachem Locationwechsel und einem Datumswechsel kann mich nun wirklich ncihts davon abhalten den wunderbaren Antony Hegarty live zu erleben. Das Konzert findet letztendlich im Zirkus Krone statt und auf den Karten ist zu lesen: freie Platzwahl. Dieser Fakt treibt mich dazu eine halbe Stunde vor Einlass (2 Stunden vor Beginn) bereits am Circus Krone zu sein. Ich fühle mich wie eine hysterische 13-jährige. Nun ja, gegen halb 8 dürfen die Heiligen Hallen dann betreten werden und mein Eindruck von mir als 13-jährige bestätigt sich als ich mich dabei ertappe mit den vielen anderen panisch in den Circus zu stürmen um einen guten Platz abzugreifen. Und was soll ich sagen: Reihe 1, gerade vor mir befindet sich der Klavierhocker. Ein Traum.

Pünktlich um halb 9 beginnt es dann, und zwar mit einer "Tanzeinlage". Genauer einem japanischen Butoh Tanz. Ich finde es wunderbar, einfach weil es nicht nur grundsätzlich zu Antony passt wie die Faust aufs Auge, sondern weil sein letztes Album "The Crying Light" von einem Butho Tänzer, Kazuo Ohno, inspiriert und gewidmet ist. Nach dieser Performance, die den Westeuropäer an sich nicht seltsamer hätte anmuten können, beginnt Antony.

Zu spielen beginnt er im Dunkeln: "Where is my Power?" Ich würde sagen: ganz klar in deiner Stimme, lieber Antony. Danach stimmt er "Her eyes are underneath the ground" an, es wird langsam etwas heller um ihn. Und schon nach diesem Lied sind 2 Dinge unmissverstädlich klar: 1) Dies wird ein Konzert der Extraklasse und 2) das Publikum ist super und liebt Antony. Schon jetzt gibt es Füßegetrampel, wildes Jubeln und Klatschen. Und Antony, der freut sich sichtlich. Weiter geht es mit zwei weiteren Songs seines letzten Werks: "Epilepsy is Dancing" und "One Dove". Natürlich muss spätestens jetzt erwähnt werden, dass Antony das Konzert natürlich cniht alleine bestreitet. Mit ihm sind sech ausgezeichnete Musiker auf der Bühne, so wird seine Musik untermalt von Cello und Geigenklängen, Saxophon, Klarinette, Gitarren, Bass, Schlagzeug und natürlich dem Flügel. Allerspätestens als er dann "For today I am a boy" anstimmt, sind beim Publikum alle Dämme gebrochen. Und langsam wird er gesprächiger, so kommt zuerst ein leises "I keep imagining women flying by on the trapeze". Später erklärt er dann: "This concert shouldn't be here at first but then my tourmanager said: Antony, there's a circus in town and i knew it would be perfect." Recht hat er. In den kommenden 1 1/2 Stunden folgen "Shake that devil"+Improv (Ich liebe dieses Lied und live hat es richtig Spaß gemacht auch wenn es mir schwer fiel, nicht mitzutanzen und auf meinem Stuhl gefesselt zu sein), "Kiss my Name", "You are my Sister", "Another World", "Everglade", "Fell in love with a dead boy" (ebenfalls eins meiner allerliebsten Antony Lieder. Auch immer wieder interessant mitzuerleben wie schlecht Menschen mit einer etwas längeren stillen Phase umgehen können, nämlich gar nicht. Dabei gehört das zu diesem Lied. Wie kann man dann da reinquatschen?), "The Crying Light" (wunderschön), "Fistful of Love" (ein weiterer Publikumsknüller. Manchmal frag ich mich warum fast alle die selben Songs lieben und wie ein Hype um einen Song entsteht? Und warum die neuen Stücke von diesem Hype verschont blieben...) und "Aeon", mein Favorit des neuen Albums. Und ja: "Oh i love that man so much!". An diesem Abend liebten alle Antony. Klar war, dass nach diesen frenetischen Appläusen während des Konzerts und natürlich dem Schlussapplaus eine tolle Zugabe sein muss. Es wurden dann sogar drei: "Cripple & the Starfish" (so wunderschön), "Hope Mountain" ("This song is about Jesus returning, but as a girl. Maybe from Afghanistan. I don't know.(...)Well, don't get me wrong, i'm not a christian, i'm a witch.") und (natürlich und Gott sei Dank) "Hope there's Someone". Welch Abschluss für diesen magischen Abend. Ja, irgendwie wie als Kind im Zirkus fühlte man sich. Aufgeregt, verzaubert, glücklich. Und das es nicht nur mir so ging zeigte der minutenlang andauernde Applaus, der selbst nicht abebbte als das Licht anging und die Musik...

#12 Neu auf den Ohren: Begushkin - Nightly Things/ King's Curse

2009-04-23T15:37:00.001+02:00

Nachdem ja nun Maria Taylor als gutes neues Album ein ziemlicher Reinfall war, habe ich mir überlegt, mal wieder was zu rezensieren, das zwar schon seit einiger Zeit auf dem Markt zu haben ist, für mich jedoch völlig neu war. Und wie so oft, bin ich rein zufällig über diesen Künstler gestolpert. Sein Name: Dan Smith alias Begushkin. Der gute Mann hat bereits zwei Alben herausgebracht, und war mir bisher gänzlich unbekannt. Leider konnte ich mich wirklich nicht entscheiden, welches der beiden Alben ich hier vorstellen sollte. Deshalb nehme ich einfach beide. Denn: die Musik ist schlichtweg grandios und genau das Gegenteil von dem, was ich in letzter Zeit bei anderen Alben bemängelt habe. Hier ist wirklich eine absolute Hingabe in jedem Song zu hören, eine Detailverliebtheit und vor allem KEINE Sekunde Langeweile. Grob lässt sich sagen, Begushkin klingt wie eine Mischung aus Bonnie "Prince" Billy und Wovenhand (oder auch frühe 16 Horsepower). Auf dem ersten Album "Nightly Things" geht es noch akustischer zu, als auf dem rockigeren Nachfolger King‘s Curse. Würde ich versuchen, beide in ein Genre zu packen, käme vielleicht etwas wie alternative-lofi-americana-singersongwriterfolkrock heraus. Stimmlich erinnert Begushkin an Will Oldham, jedoch singt er deutlich kräftiger und druckvoller. Spektakuläre Melodien, eine reiche Instrumentierung und eine Vielzahl an neuen Ideen und Wendungen sind in die verschiedenen Titel eingebaut. Von der Stimmung her wären sowohl Nightly Things als auch King’s Curse der wahrscheinlich perfekte Soundtrack für einen Abend in der Wüste (übrigens: besonders passend dazu das Lied Death Valley mit beinahe orientalischer Instrumentierung und einer wunderschönen Frauenstimme im Hintergrund). Zu meiner Freude kommt noch hinzu, dass sowohl das Schlagzeug, als auch die Gitarren oft an die großen Bands der 70er Jahre erinnern, womit dann noch wirklich der Kirsche auf dem Sahnehäubchen eine Portion Schokostreusel aufgesetzt wird. Beide Alben fordern bestimmt einige Arbeit des Hörers ein, denn das Songwriting ist nicht immer gleich eingängig. Wer sich aber auf die Musik einlässt, wird reich belohnt.

Wen das neugierig gemacht hat, hier gibt es das Lied Nightly Things zum anhören:

Für mich mal wieder eine absolute Neuentdeckung, die auf jeden Fall viel mehr Aufmerksamkeit verdient hätte und meinen Plattenspieler nicht mehr so schnell verlassen wird (beide Alben sind relativ günstig auf Vinyl zu haben).
Deshalb wird heute geklotzt statt gekleckert mit gleich zweimal 5 von 5 Sternen.

#11 Neu auf den Ohren: Maria Taylor - LadyLuck

2009-04-22T00:25:00.002+02:00

Groß war meine Spannung und Vorfreude auf das neue Album LadyLuck von Maria Taylor, da ich sowohl die Musik von Azure Ray, als auch ihr letztes Album Lynn Teeter Flower sehr gern höre. Also, ich will es mal so formulieren: von der Stimme her klingt sie gut wie immer.

Aber: das Songwriting klingt noch um Lichtjahre uninspirierter und unmotivierter wie bei... na? A Camp! Ich nenne es ab jetzt also das A Camp-Syndrom, jawohl! Und dieses lässt sich durch folgende Punkte diagnostizieren:

Lustlosigkeit
Langeweile
Monotonie
Vorhersehbarkeit

Welches beim Hörer unweigerlich zu Ansteckungen mit folgenden Symptomen (in dieser Reihenfolge) führt:

Ungeduld
Gähnanfälle
Glasiger Blick
Vorspulen und Hoffen auf spannendere Momente (begleitet von erneutem Gähnen)
Feststellen, dass das Album bereits durch ist und nichts, aber auch wirklich gar nichts passiert
Vergessen

Weitere Schritte überlasse ich euch. Falls ihr doch noch einen weiteren Gedanken an die CD verschwenden solltet: sie eurem Hund als Frisbee anbieten wäre zum Beispiel eine gute Idee. Oder ein Laufrad für Hamster basteln. Oder so einen Untersetzer für Gläser gegen fiese Wasserflecken auf dem guten Holztisch draus fertigen - bald ist ja auch Muttertag. Mir fiele da noch so einiges ein, das erheblich besser wäre, als nochmal das Ganze anzuhören. Da hilft leider auch kein Duett mit Michael Stipe weiter, obwohl ich dabei ja noch kurz aufhorchte, bevor ich wieder in Morpheus' Ebenen abtauchte. Gegen diese CD ist selbst das Plätschern eines Gebirgsbachs purer Death Metal.

Ich gebe ihr mal gut gemeinte 2 von 5 Sternen, weil immerhin noch viel unfassbar schlimmere Musik da draußen lauert. Aber: solltet ihr erfreulich reich sein oder das dringende Bedürfnis verspüren, euch selbst in ein Wachkoma zu versetzen, nur zu.

#7 Konzert: Dear Reader, München

2009-04-20T16:22:00.000+02:00

Schon die Vorfreude sagen zu dürfen "Ich stehe auf der Gästeliste" begleitete mich den ganzen schönen Tag hindurch. Gegen 20.15 war es dann so weit, ich war im Ampere direkt vor der Bühne. Das Ampere, einer meiner liebsten Orte für Konzerte, wurde leider auch bis zum Konzert der Hauptband Dear Reader nicht wirklich voll.

Doch Zuerst wie immer meinen Senf zur Vorband I Might be Wrong. Nun ja, ich wusste es würde nach längerem mal wieder der Tag kommen an dem ich eine Vorband richtig mies finde, dies war nun eben der gestrige Abend. Das Grundproblem war nicht, dass Gitarrist und Bassist versuchten sich gegenseitig im dämlich abrocken zu schlagen, oder der immergleiche Songaufbau (elektronisch eingespielte Beats, dann Schlagzeug, dann der Rest), nein, das Problem war: der unausgewogene Sound. Durch das viel, viel, viel zu laute Schlagzeug und die viel, viel, viel zu laute Gitarre übertönten die Frontsängerin total. Nicht nur, dass man kein Wort der Texte verstand, auch die Stimme an sich hörte man kaum. Schade, aber als Vorband einer schwedisch, neobritischen, oder anderen aufstrebenden Indieband wären sie besser aufgehoben gewesen...

Nun, gegen 21:45 Uhr war es dann (endlich) so weit: das südafrikanische Trio hatte sich zu diesem Abend die Verstärkung einer Bratschistin(sp?) geholt (Jay oder Jane wenn ich es richtig verstanden habe).

Während der nächsten 1 1/4 Stunden schafften es Dear Reader nicht nur ihr Debutalbum komplett (Persönliche Highlights: Bend, Great White Bear) und mehr als gekonnt (man kann sagen: die Band war sehr gut eingespielt, trotz Neuzugang) vorzustellen, sie schafften auch eine wirklich gute Stimmung. Cherilyns Stimme ist genau so klar wie auf der CD, nur dass live noch eine große Portion Charme hinzukommzt.

Man merkt der Band an, dass ihnen das Live spielen viel Spaß macht, besonders vor einem wirklich tollen Münchner Publikum, welches den Abend noch schöner gestaltete. So teilte die Band nicht nur die Musik, sondern auch die ein oder andere Anekdote mit dem Publikum ("Friends of us were trying to finde white bears at the arctis. They couldn't find them because they were white and the snow was too. So they were trying it with infrared, but even then they couldn't find them. So: a white bear must be the prefect place to hide. That's the story of this song.").

Als zweites Lied der Zugabe folgte dann etwas, auf das wohl viele hofften, ein neuer Song. Und den kann man als genauso gut werten als die bisher dagewesenen. Und obwohl es noch etwas verfrüht erscheint: ich freue mich auf eine neues Album! Mehr, mehr, mehr sag ich da nur.

Also, jeder der die Band noch sehen kann: nur los, nur los! Es lohnt sich.

#6 Konzert: Hellsongs, Stuttgart

2009-04-15T10:54:00.000+02:00

Am Dienstag Abend brachen wir auf, um die Begründerband des "Lounge Metal" live zu erleben: Hellsongs in Stuttgart. Nach ihrem wunderbaren Debutalbum "Hymns in the Key of 666" und der vorhergehenden EP war dies natürlich ein Muss. Schon beim Betreten des gut gefüllten Keller Klubs war klar: das Publikum ist bunt gemischt. Von Heavy Metal Fans über Rocker und Folk-Liebhaber war alles vorhanden.

Doch zuerst, wie immer, ein paar Worte zum Supporting Act Tim Neuhaus. Nur mit Gitarre, seiner Stimme und (leider) Sample Pedalen. Stimmlich dachte ich sofort an Damien Rice, was nun doch ein Kompliment ist, allerdings hat mich das zunehmende aufnehmen und sampeln gegen Ende hin nur noch genervt und an Howie Day denken lassen, der diesbezüglich unser Horror-Künstler ist (und jeder, der ihn als Supporting Act von Tori Amos erlebt hat, weiß wovon ich spreche...). Grundsätzlich bin ich der Meinung Stimme und Gitarre und gute Songs müssen reichen, und dieses rumeiernde Aufnehmen ist nur Störfaktor.

Nun zum "Main Act". Schon bei betreten der Bühne sah man ihnen die gute Laune an und klar ist auch: Pailetten-Glitzer-Kleider (sozusagen die perfekte Verkleidung zur Diskokugel) gehen immer. Während die Dreierformation sich bestgelaunt in die ersten Songs stürzte mag dem einen oder anderen Zuhörer nicht entgangen sein, dass sich die Stimme der Sängerin irgendwie nicht wie die auf der CD anhört und irgendwie war auch das Aussehen nicht übereinstimmend...Rätsel über Rätsel. Doch ja, dieses Misstrauen war angebracht, denn Hellsongs haben seit März eine neue Sängerin: Siri Bergnéhr. Und die kann definitiv mit ihrer Vorgängerin mithalten. So glitzerte nicht nur ihr Kleid, sondern auch ihre Stimme in allen Facetten.

Gespielt wurden Songs die bereits von den CD/EP bekannt waren wie etwa Seek & Destroy, Breaking the Law, Run to the Hills und Symphony of Destruction, aber auch neue, unveröffentlichte Tracks (die anhand der Menge auf das baldige Erscheinen eines neuen Albums hoffen lassen).

Die Band war bestens gelaunt und besonders der Gitarrist erfreute das Publikum mit der einen oder anderen Anekdote. Jedoch ist nicht nur die Band zu loben, nein, auch das Publikum lies sich mitreissen. So wurde getanzt, mitgesungen (was teilweise wirklich zu wunderschönen Momenten führte) und gegrölt. Leider wurde die vehemente Bitte einiger Besucher nach "Slaaaaaayer!!!!" nicht erhört, da auch der eigentliche Pianist an diesem Abend fehlte und die Band ein festgelegtes Programm hatte.

So lässt sich als Fazit sagen: eine gute Stunde bester Unterhaltung und Spaß dominiert von einer wunderbaren Sängerin (mit der man sich nach dem Konzert auch noch nett unterhalten konnte, wie auch mit Kalle Karlsson. Die Fans bekamen was sie wollten (bis auf Slaaaaaaayer!!!! natürlich) und so konnte man sich zufrieden auf den Heimweg machen.

#5 Konzert: Vienna Teng, Freiburg (05.04.)

2009-04-08T18:40:00.001+02:00

Nachdem Vienna Teng in diesem Jahr mit Inland Territory mal wieder ein fantastisches Album abgeliefert hat, freute ich mich besonders auf die kommende Tour. Bereits vor zwei Jahren fuhr ich extra mit einem Freund zum Konzert nach Darmstadt. Deshalb war dieses Jahr meine Freude um so größer, als ich erfuhr, dass ich diesmal eine bei weitem weniger lange Fahrt vor mir haben würde. Außerdem war die Location- das Jazzhaus in Freiburg- vielversprechend: ein kleiner Gewölbekeller, der ein intimes Konzert im kleinem Rahmen vermuten ließ. Und genau das wurde es auch. Vienna Teng betrat pünktlich um acht Uhr die Bühne, gefolgt von zwei Herren: zum einen Alex Wong, der auch Produzent ihres Albums war und Vienna mit allerlei Instrumenten, vor allem aber am Schlagzeug unterstützte. Ich kannte ihn bereits vom letzten Konzert, an dem er sich als absolutes Riesentalent zeigte. Unfassbar, was der Mann kann. Zum Beispiel mit der einen Hand auf das Glockenspiel einhämmern und mit der anderen in einem total anderen Rhythmus Schlagzeug spielen. Neben Vienna Teng an Klavier und Orgel und Alex gab es noch einen Cellisten bzw. Gitarristen, der mit seinen roten Haaren neben den anderen beiden, eher asiatisch aussehenden Personen beinahe wie ein Stilbruch wirkte. Aber auch er war wirklich sehr gut. So bestritten die Drei den Abend mit unglaublich sympathischem Charme, der lediglich von einer kurzen Pause unterbrochen wurde (kommt es mir nur so vor, oder wird mittlerweile öfter an Konzerten eine Pause gemacht, als früher?). Die Stimmung war auf jeden Fall ausgezeichnet und ich glaube fast, dass das Jazzhaus ausverkauft war. Es war auf jeden Fall rappelvoll. Die Setlist bestand vor allem aus Titeln vom neuen Album und seinem Vorgänger. Mir kam das sehr gelegen, da ich diese auch die Besten finde (wer sie noch nicht hat: beides absolute 5 Sterne Alben!!!). Obwohl das Konzert das letzte der ausgiebigen Deutschlandtour war, gab es keine Spuren von Lustlosigkeit oder Ermüdung seitens der Band, und auch das Publikum klatschte begeistert mit. Vienna Teng erzählte dann auch, dass die Band ungern Deutschland wieder verlassen wolle (ok, solche Sachen sagen ja viele, aber ich hatte den Eindruck, dass es tatsächlich stimmte). Als letztes Lied der regulären Setlist sang Vienna Teng ohne Mikrofon „Soon, Love, soon“, mit dem Publikum als Hintergrundchor. Sehr schön und stimmungsvoll war das Ganze, und es hätte wahrscheinlich nicht viel gefehlt, dass die Leute ihre Feuerzeuge rausgeholt hätten (vielleicht sollte ich doch Raucher werden???). Toll fand ich auch, dass viele Teile von Liedern mit Hilfe eines kleinen Aufnahmegerätes aufgezeichnet und so in Schleife wieder in den jeweiligen Titel eingebracht wurden. Weil einfach nur ein vorgefertigtes Band abspielen kann ja jeder (buuuuh, Howie Day!). So war es eine echte Bereicherung.
Als Zugaben gab es dann noch zwei Coverversionen von Radiohead und Simon & Garfunkel, aber eben auf Vienna Teng-Art.
Danach hätte man sich noch Autogramme der Band geben lassen können, wenn nicht alle CD´s komplett ausverkauft gewesen wären. Das sagt doch einiges darüber aus, wie das Konzert den Leuten gefallen hat. Zum Glück hatte ich das Album bereits. Am Ende wurden von manch Einem sogar noch die Poster von den Wänden gerissen, um eine Unterschrift zu ergattern.

Also mal wieder ein wunderschöner, gelungener Abend. Da kann ich nur noch sagen: Jederzeit wieder.

Übrigens habe ich gleich nach Ankunft bemerkt, dass ich meine Kamera mit leerem Akku eingepackt habe, deshalb leider keine Fotos. Man lernt eben immer dazu.

#10 Neu auf den Ohren: Neil Young - Fork in the road

2009-04-08T14:30:00.002+02:00

Freudig erregt war unsereins als ich durch Zufall die neue Neil Young CD "Fork in the Road" im Regal eines Elektronikmarkts entdeckte. Davon wusste ich nichts, umso besser war natürlich die Freude nach der Entdeckung. Gott sei Dank habe ich von der Idee eines Spontankaufs abgesehen und die CD erstmal Zuhause angehört.

Ich glaubte meinen Ohren nicht zu trauen, denn die Musik verhält sich wie das Cover, sie ist hässlich. Mal abgesehen von dem tollen Hut den Neil trägt, aber auch auf der CD gibt es wenigstens kleinere Lichtblicke.

Was soll man nun schreiben über einen der genialsten Songschreiber EVER? Den Mann der so Geniestreiche wie "After the Goldrush", "A man needs a Maid" und viele, viele bekannte Klassiker geschrieben und atemberaubend vertont hat, erfindet sich in diesem Album neu. Nur, neu ist leider nicht gleich gut!

Das ganze Übel der Platte charakterisiert ein Song besonders gut: das abscheuliche "Cough up the Bucks" das Mr. Young geradezu ins Mikroskop würgt. Da fragt sich meinereiner: Warum isst der gute Mann denn Geld? Und hoffentlich hat es bald ausgehustet, damit man wieder seine schöne Stimme hören kann. Außerdem: Wenn er zuviel hat, dann biete ich mich gern als Abnehmerin an. Oder: Warum hat er es nicht in eine bessere Produktion gesteckt, die ihm vielleicht verboten hätte durch eine Art Megaphon zu singen. Denn er könnte es doch noch immer. Ansatzweise zeigt er sein Können und seine frühren Qualitäten in Liedern wie "Light a Candle". Sanfte, countryhafte Gitarrenbegleiten zu einer gealterten, aber noch immer tollen, typischen Stimme. Aber auch dem Titelsong "When the World Collides" kann man einiges abgewinnen, muss man aber eben nicht.

Nun ja, jeder hat ein Recht auf Fehlschläge, auch Neil Young. Nun hoffe ich aber, dass du an deiner nächsten "Fork in the Road" (Wordspiel ahoi) die richtige Abzweigung findest und nicht wie in diesem Fall auf Irrwege gerätst.

Für dieses Trauerspiel daher leider nur

Einskommafünf von fünf (imaginären) Stern

Hier noch ein Beispiel, den titelgebenden Song "Fork in the Road" und ja, zugegeben, ein sehr witziges, charismatisches Video!

Neil Young - Fork In The Road

#9 Neu auf den Ohren: Bat for Lashes - Two Suns

2009-04-06T11:19:00.002+02:00

Wie habe ich mich auf das neue Bat for Lashes Album gefreut und vorwegnehmen möchte ich: ZU RECHT!

Doch was passiert vor dem ersten Hören? Das erste sehen des Albumcovers das in diesm Fall wirklich sehr strange geraten ist und mich sofort an Südamerika denken ließ, an Friedhöfe, Zombies, Heilige und vieles mehr. Ihre "Two Suns" hält Natasha Khan in ihren Händen.

Doch nun zur Musik, die mindestens genauso vielschichtig und wild ist wie das Cover verspricht. Das erste Hören war enttäuschend, ich fand es überproduziert, elektronisch, kein Vergleich zum Vorgänger "Fur and Gold". Doch auch dieses Album bekam von mir eine weitere Chance, und noch eine, und noch eine. Und es passierte was passieren muss: plötzlich merkte ich wie wunderbar dieses Album ist. Schon der erste Track "Glass" impliziert genau das. Eine Mischung aus elektronischem, aus klassischen Instrumenten, aus tiefer und hoher Stimme. Madam Khan zeigt was sie kann und das ist so einiges. Kluge Lyrics leiten durch das ganze ALbum und zwischen den "Uptempo" Nummern finden sich immer wieder ruhige Pole, die von Liebe erzählen, vom Leben von so viel, genau wie das Cover eben. So ist die schlichte und schöne Klavierbegleitung auf diesem Album genauso zuhause wie laute Trommeln und elektronisher Beat. Alles läuft zusammen zu einem wirklich großen, auergewöhnlichen Album.

Die erste Single "Daniel" zeigt schon die größe dieses Albums, auch wenn man nur von diesem Song nicht auf das Album schließen kann, denn dieses funktioniert als ganzes, von der ertsen zur letzen Minute, daher fällt es auch schwer Favoriten zu finden. Trotzdem ist die erste Single erwähnenswert, schon allein wegen des fantastischen Videos, das mitreißt:

Und wie sie selbst in "Daniel" singt: "i knew you had a flame in your heart" genauso verhält es sich mit diesem Album.

Zu Ende kann ich nur sagen: ich freue mich WAHNSINNIG auf das Konzert und das Album, ja, das hör ich jetzt nochmal und nochmal und nochmal!

Fünf von fünf (imaginären) Sternen

#8 Neu auf den Ohren: Mirah - a(spera)

2009-04-04T22:56:00.001+02:00

Nachdem ich in letzter Zeit nicht allzu viel Musik fand, die mich richtig aus den Schuhen feuern konnte, nun endlich wieder ein Lichtblick! Und der kommt ausgerechnet von Mirah. Diese Dame, die ich zwar nie wirklich schlecht fand, aber eben auch nicht berauschend oder sonderlich aufregend, sorgte nun doch bei mir für eine auffallend positive Überraschung. Was mal wieder beweist, dass man viele Künstler nie so einfach abstempeln darf, sondern immer wieder die Ohren unvoreingenommen aufstellen sollte. Und dabei ist das neue, mittlerweile vierte Studioalbum von Mirah Yom Tov Zeitlyn vollkommen unaufgeregt. Tatsächlich sind es herrliche, intelligente Songs, die gerade durch ihre Zurückhaltung bestechen. Aber Vorsicht, wer Zurückhaltung mit Langeweile verbindet, liegt hier komplett daneben. Wunderschöne Melodien gibt es hier zu hören, da übernehmen Streicher spontan die Hauptstimme, dort stimmt ein Glockenspiel mit ein und plötzlich kommen Bläser zum Einsatz, die beinahe an Calexico erinnern…darüber schwirrt souverän Mirahs (stellenweise) an Emiliana Torrini erinnernde Stimme und erschmeichelt sich sofort einen besonderen Platz in meinem Ohr. Mit jedem neuen Titel kommt wieder eine neue Wendung mit einem Feuerwerk an ganz eigenen Klängen, und dennoch ist es ein Album, das absolut in sich stimmig ist. Was mal wieder zeigt, dass keine überladene Produktion nötig ist, um nachhaltig zu beeindrucken. Ein gutes Songwriting reicht völlig aus. Für mich endlich wieder ein Album, das meinen CD-Player wohl nicht mehr so schnell verlassen wird, und das Anlass ist, mir doch noch einmal seine Vorgänger anzuhören. Anspieltipp (neben nahezu allen!): "The Forest".

Mein Fazit: 4 von 5 Sternen

#7 Neu auf den Ohren: A Camp - Colonia

2009-04-01T00:48:00.002+02:00

Ganze acht Jahre ist es her, seit sich Nina Persson, besser bekannt als die Stimme der Cardigans aufmachte, ein Soloprojekt mit Namen "A Camp“ ins Leben zu rufen. Das damalige Debutalbum enttäuschte aber eher und konnte wohl am ehesten noch Fans ihrer Stammband begeistern. Mich langweilte es über weite Passagen zu Tode. Dementsprechend skeptisch war ich nun dem Nachfolger gegenüber. Aber ich stelle fest: es geht nun doch etwas lebendiger zu. Auffallend ist die reichere Instrumentierung, die die glasklare Stimme Perssons in eine hübsche Soundkulisse bettet. Um wohl auf Nummer sicher zu gehen, holte man sich noch Verstärkung von einigen namhaften Kollegen ins Haus: Joan Wasser (von Joan As A Policewoman), James Iha (ex Smashing Pumpkins & A Perfect Circle), Mark Linkous (Sparklehorse) und Anna Ternheim (jaha, ich dachte auch „Hurra“, aber sie ist leider kaum herauszuhören). Meiner Meinung nach ist eine deutliche Steigerung zum Vorgänger durchaus vorhanden. Insgesamt bleibt aber auch nicht sonderlich viel hängen und man hätte sich ruhig etwas mehr trauen können. So bleibt doch jeder Song sehr vorhersehbar.

Wer was für Nebenher sucht, ist hier bestimmt richtig. Für anspruchsvollere Hörer – und das seid ihr ja bestimmt ;o) - dürfte doch relativ schnell gähnende Langeweile aufkommen.

Alles in allem: ganz nett.

3 von 5 Sternen

Hier als Nachschlag noch die aktuelle Single "Stronger Than Jesus"

#6 Neu auf den Ohren: Fever Ray - Fever Ray

2009-03-27T21:01:00.002+01:00

Man muss sich ja immer weiterbilden und Neuem gegenüber offen sein. Bei Neuveröffentlichungen bin ich deshalb immer besonders wachsam. Diese Woche wurde Fever Ray auf Spiegel Online zu einer der wichtigsten CDs der Woche erklärt und meine Neugierde geweckt. Zudem dachte ich, bei Musik aus Schweden muss man besonders die Ohren spitzen – bescherte uns das Land doch schon unzählige erstklassige Bands und Solokünstler. Na ja…was soll ich sagen…Fever Ray gehört für mich wohl nicht dazu. Selten habe ich ein Album gehört, bei dem man so offensichtlich versucht haben muss, vielversprechende Musik zu verunstalten. Denn in der Grundlage sind die meisten Songs von Karin Dreijer Anderson alias Fever Ray eigentlich gar nicht so schlecht. Mit ihren Ideen wandte sie sich an ein Produzentenduo aus der Elektroszene. Und damit haben wir den Salat. Songs, die durchaus einiges an Potenzial zu bieten gehabt hätten, wurden bis zum Umfallen mit aller Gewalt durch den elektronischen Fleischwolf gedreht. Stimmen wurden bis zur Unkenntlichkeit verzerrt und nochmals verlangsamt und wieder übereinander gelegt. Ich glaube, so muss es klingen, wenn mir mal Außerirdische eine Nachricht auf meinem kaputten Handy hinterlassen sollten (oder für alle, die Stargate kennen: so singtein Goa’uld). Ein einziger undefinierbarer Quark. Dazu kommt noch, dass sich die Klangkulisse in wirklich jedem einzelnen Lied zu wiederholen scheint: ein durchgehendes Gewaber und Geklacker aus dem Computer, das unendlich austauschbar vor sich hin plätschert und doch keine Richtung zu finden scheint. Man hätte das Album auch mühelos auf drei Stunden ausdehnen können. Im Übrigen bin ich elektronischer Musik gegenüber nicht abgeneigt und war durchaus bereit, dem Album eine Chance zu geben. Deshalb hörte ich es mir mehrere Male hintereinander an, aber es wollte einfach nicht besser werden. Am Ende war ich nur noch furchtbar genervt. Die einzigen Lichtblicke ergaben sich an den Stellen, an denen wenigstens einmal ein echtes Instrument zu hören ist und die eigentlich interessante Stimme Andersons nicht verfälscht wurde. Auch gibt es einige gute, stimmungsvolle und atmosphärisch eindrucksvolle Momente. Einer von diesen wenigen Lichtblicken ist „Keep The Streets Empty For Me“. Hier lässt sich noch erahnen, was eventuell aus dem Album hätte werden können. So wurden viele gute Ideen einfach vertan. Schade.

Deshalb gerade einmal 2 von 5 Sternen.

Für diejenigen, die es dennoch einmal versuchen wollen, hier das von mir als bestes empfundene Lied:

#5 Neu auf den Ohren: Cocoon - All my friends died in a plane crash

2009-03-27T09:47:00.002+01:00

Zitieren möchte ich zu Beginn Mark Dumail, den männlichen Part des Duos Cocoon: “I wanted it to be a male-female duet. A duo like the White Stripes are in rock — we wanted to be the equivalent in folk music", und weiter: “Basically, Cocoon’s musical inspiration goes all the way from groups like The Pentangle and Fairport Convention right through to the ‘new folk’ movement that surfaced around the beginning of 2000 with artists like Coco Rosie, Devandra Banhart and Sufjan Stevens." Demnach hatte ich, als Hörerin der meisten oben aufgeführten Bands und Musikern sehr große Erwartungen als ich die Debut CD "All my friends died in a planecrash" zum ersten Mal hörte.
So schaffen Morgane Imbeaud und Mark Dumail zerbrechlich wirkenden, ruhigen Folk der in Frankreich einschlug wie eine Bombe und eine Reihe frenetischer Reviews nach sich zog, auch in Deutschland. Auffallend ist die schöne Instrumentierung mit Gitarren, Banjos, sowie die Stimme von Mark Dumail, der die Leadvocals singt. Während des Hörens komm ich nicht umhin zu denken: Mir scheint er hat sehr viel Ben Harper gehört in seinem Leben, so stimmen die Nuance und der Klang der beiden Männerstimmen größtensteils stark überein.
alles in allem ein sehr süßliches, schön klingendes Album, doch was fehlt sind Höhepunkte. So plätschert sie allzu oft schlicht vor sich hin und man hat Probleme die Titel zu unterscheiden. Innovative Musik, die etwas die White Stripes machen, sich immer neu erfindend, fehlt hier. So kann man den selbst hergestellten Vergleich der Band kaum ernstnehmen. Auch Vergleiche zu 70er Jahren Bands wie etwa Fairport Convention sind unverständlich, denn Cocoon reichen nicht einmal ansatzweise an den wunderbaren Folk dieses Jahrzehnts heran.
Wer gerne ruhigen, Hintergrund-Folk hört, ist mit Cocoon sicher gut beraten. Alle die mehr erwarten als einen geschmacklosen CD-Titel und dahinplätschernde Musik sollten nicht auf dieses CD zurückgreifen.

Daher:
Zwei von fünf (imaginären) Sternen

#1 Zeitreise: Alan Stivell – À l’olympia

2009-03-25T16:27:00.001+01:00

Mit Barden aus Frankreich verband ich bis vor etwa einem Jahr nur den schrecklich schief singenden Troubadix aus Asterix, dem jemand (zu Recht) seine Harfe über den Kopf gehauen und ihn an einen Baum gebunden hatte. Bei Alan Stivell hat das zum Glück niemand gemacht. Bekannt wurde Alan Stivell vor allem in den 70er Jahren, als er mit seiner keltischen Harfe traditionelle französische und britische Musik neu interpretierte - viele kennen wahrscheinlich noch "Tri Martolod". Irgendwann stieß ich per Zufall auf den Mann aus der Bretagne, dessen Harfenspiel mich schlichtweg umgehauen hatte. Da sich vor einer Weile parallel meine Liebe zur Musik der 70er und zu alten Schallplatten entwickelte (und die Alben als CD relativ schwer zu bekommen sind), legte ich mir bald die frühen Werke von Alan Stivell auf Vinyl zu. Neulich stolperte ich dann über das Livealbum „À l’olympia“, das gerade einmal 5 Euro kostete und sich als wahrer Glücksgriff entpuppen sollte. Da weder das Internet, noch die Plattenhülle viele Informationen preisgeben, weiß ich nicht einmal genau, aus welchem Jahr das Konzert stammt. Veröffentlicht wurde die Platte auf jeden Fall 1972. Und wieder einmal denke ich mit leichter Wehmut daran, dass ich vielleicht einfach ein paar (viele) Jährchen zu spät auf die Welt gekommen sein könnte. Denn was damals im Pariser Olympia für eine Stimmung gewesen sein muss, kann man sich heute an vielen Konzerten nur noch wünschen. Neben einigen Liedern aus vorherigen Veröffentlichungen spielte Stivell mit seiner 9-köpfigen Band auch viel bis dahin nicht bekanntes Material, das noch lange Zeit nur auf dieser Liveversion veröffentlicht bleiben sollte. Selten habe ich ein Livekonzert gehört, bei dem man der gesamten Truppe so eine unglaubliche Spielfreude anhört. Neben der erwähnten Harfe durften natürlich Flöten nicht fehlen. Dazu kamen noch Geigen, (E-)Gitarren, Cello, eine Orgel und ein Banjo. Durch den Einsatz der Orgeln entstand ein Touch von Progressive Rock, dann wieder ein wenig in Richtung Jazz (aber keine Sorge, nicht zu viel davon, weil Jazz ist nicht meine Welt) und sehr viel Folk. Gesungen wurde auf bretonisch, französisch und englisch. Das perfekte Zusammenspiel der einzelnen Komponenten machte einfach eine fantastische Mischung, so dass nach jedem Lied das Publikum vor Begeisterung geradezu brüllte. Ich weiß nicht, ob es Einbildung ist, auf jeden Fall bin ich der Meinung, dass ein solches Konzert (dazu noch in einer so außergewöhnlich guten Qualität) von einer Schallplatte abgespielt die Atmosphäre wirklich um Lichtjahre besser wiedergibt als eine „sterile“ CD (für diejenigen, die doch CD´s bevorzugen, das Album kam später als „Olympia Concert“ raus).
Wer also traditionellen, aber kreativ interpretierten und nicht 08/15 Folk gerne mag, sollte sich dieses Album unbedingt zulegen. Ich hätte im Übrigen gerne ein paar hilfreiche Links als Hörproben gepostet, aber leider wurde keines der Videos auf Youtube dieser einzigartigen Platte gerecht. Sollte ich doch noch einen finden, werde ich ihn euch natürlich nicht vorenthalten. Anspieltipps sind (neben wirklich ALLEN Titeln): "Suite Sudarmoricaine" und "The King Of The Fairies". Bei mir kam zum ersten Mal überhaupt die Unendlich-Abspielen-Funktion meines Plattenspielers zum Einsatz, weshalb ich hier jetzt einfach ganz dreist zum Blindkauf rate. Oh, und mein inneres Bild vom singenden Barden hat sich mittlerweile übrigens auch gewandelt.
Für mich seit Langem ein absolutes 5 von 5 Sternen Album!

#4 Konzert: Kaki King, München

2009-03-25T10:54:00.001+01:00

Selbst im Deutsche Bahn Mobil Magazin konnte man etwas über sie lesen: Dass sie nach dem 11. Semptember in den U-Bahnhöfen spielte um ihre Mitmenschen auzuheitern und dass sie als einzige weibliche Gitarristen unter die besten Gitarristen im Rolling Stone gewählt wurde. Was es bedeutete, was sie auszeichnet zu den besten Gitarristen zu gehören wusste ich nicht...bis gestern Abend.
Der Konzertabend begann chaotisch. Einlass sollte um 8 Uhr sein, Beginn um halb 9. 10 nach 8 als wir zum Backstage kamen hörte man die Band noch soundchecken und die Schlange draußen in der Kälte wurde immer länger und länger. Erst kurz vor 9 begann der Einlass und das auch noch schlecht organisiert. Liebes Backstage: Das ist noch ausbaufähig.
Während das Publikum noch eingelassen wurde spielte bereits das Vorprogramm, ein Herr der sich mit: "Mein Name ist Kellner" vorstellte. Kellner, ein Regensburger Singer- und Songwriter, spielte tolle, folkige Musik zur Akustikgitarre und sang mit einer wahnsinnig aussagekräftigen, ansprechenden Stimme, die mich teilweise an Everlast erinnerte. Sehr Schade dass er schon spielte während noch Einlass war, aber sonst hätte sich wohl alles nach hinten verschoben. Nichts desto trotz, bitte genießen:

Der Backstage Club füllte sich immer mehr bis zu seinen Kapazitätsgrenzen, sodass die bis dato gesperrte "Loge" geöffnet wurde. Genau dort fand ich meine Platz, mit einem tollen Überblick und Blick auf die Bühne.

Kaki King begann gegen 21:45 mit ihrem Konzert und blieb zwei volle Stunden. Als Verstärkung hatte sie den "crazy professor" Dan Brantigan (der ein mysteriöses Instrument spielte, das mich den ganzen Abend beschäftigte. Heute haben nachforschungen meinerseits ergeben, dass es sich um eine/n analog EVI handelt. Kam wohl in den 70ern auf und ist heute recht selten. Aha!) und den Drummer Matt Hankle an ihrer Seite. Ich, zugegebenermaßen, wenig informiert war überrascht als die sehr kleine, zierliche, schüchtern wirkende Kathrine die Bühne betrat. "Die soll toll Gitarre spielen? Kaum zu glauben" dachte ich. Ich möchte um Verzeihung bitten, denn die meistens Songs kannte ich nicht oder nur perifär, sodass eine Tracklist definitiv nicht drin ist.
Während sie den ersten Titel mit einer Lap Steel Guitar bestritt, wechselte sie schon beim zweiten zu ihrer Akustik Gitarre. Und dann geschah das:

Und ich verstand. Verstand warum der Rolling Stone sie gewählt hat, verstand so vieles. Und auch den Eindruck einer schüchternen Frau widerlegte sie sehr schnell mit Sätzen wie: "Fucking Shit, i forgot this thing backsage i need for the next song. i know this looks so unprofessional, but it's fun." Ja, das fand das Publikum auch.
Kaki King wechselte zwischen Lap Steel-, Akusitk- und zwei E-Gitarren. Meist blieb es ohne Gesang, aber auch songs wie "Pull me out Alive" oder "Life being what it is", beides von ihrem aktuellen Album Dreaming of Revenge, wurden selbstverständlich ebenfalls vorgetragen, genauso wie das wohlbekannte und beliebte "Playing with Pink Noise" und "Gay Sons of Lesbian Mother", welches als eine der Zugaben folgte.

Duch eine gelunge Mischung von laut und leise, folkig und progressiv schaffte Kaki King einen schönen, abwechslungsreichen Abend. Besucher wie ich, die Kaki King noch nicht richtig kannte, kamen genauso auf ihre Kosten wie Kaki King Fans. Besonders erwähnen möchte ich ihre zweite Zugabe die mich persönlich immens freute. Mit den Worten: "I fucked this up as i tried to play it the last time. This is a song of one of my friends and favourite singer- and songwriter, although she doesn't like to be called so: Devon Sproule" --> Rebekka im 7. Himmel. Und so spielte die in New York lebende Künstlerin eine sehr schöne, zerbrechliche Version von "Plea for a good night's rest" von Devons wunderbarem Album Upstate Songs (so, dafür wäre jetzt auch Werbung gemacht!")

Alles in allem: sehr lohnenswert live zu sehen, sogar noch mehr als ihre CD's zu kaufen und "nur" zu hören. Denn was Kaki King bietet ist wirklich sehr sehenswert.

#4 Neu auf den Ohren: Polly Scattergood - Polly Scattergood

2009-03-24T12:56:00.001+01:00

Der Name! Also wenn der mal nicht beste Vorraussetzungen für eine musikalische Karriere ist. Doch was hat die junge Dame die hinter diesem Namen steckt auf ihrem gleichnamigen Album zu bieten?
Ich möchte chronologisch Beginnen, mit dem ersten Lied der CD: "I hate the Way". Dieser Song zeigt alles was späte auf der gsamten CD zu finden sit. Allein dieser Song bietet den Facettenreichtum den manche Alben als Ganzes nicht erreichen. Hier wird intensiv geflüstert, ja, gehaucht sogar, süßlich gesungen, verzweifelt geschluchst. "I hate the Way" hangelt sich konstant seinem Höhepunkt entgegen, von leise nach laut, von elektronisch zum Piano. Und es Ended wie es begann, leise flüsternd hört der Zuhörer: "then i think he loves me and he'll stops licking up the other girls" so traurig und verzweifelt das man von nun an zuhören MUSS.
Während der Zuhörer vom Gefühl in ihrer Stimme, das selbst das alter "Musik-Häsinnen" wie etwas Tori amos oder PJ Harvey übertrifft schlittert man plötzlich in einen fröhlichen Song. In bester Miss Li Manier trällert die junge Britin zu Piano und Co. und man findet sich mitwippend und ist gleich bei diesem vierten Song "Please don't touch" überrascht über unerwartete Wendung.
Doch es geht schnell weiter und während man sich ncoh frag an wen oder was einen der Beginn von "Unforgiving Arms" nun erinnert so hat der Song schon seine Art gewechselt. Und dann fällt es doch ein: an Kate Bush's gesprochene Part auf Aerial. Doch das liegt vielleicht auch am reizenden englischen Akzent der Sängerin.
Auch wunderschön-tragische Piano-Balladen wie der "Poem Song" fehlen auf diesem Album nicht. Klassisch und doch durch ihre Schlichtheit beeindruckend. Auch hier aber ich automatisch wieder Miss Li im Ohr.

Während Polly Scattergood in verschiedensten Kritiken mit den verschiensten Sängerinnen in Verbindung gebracht wurde (Tori Amos, Kate Bush, PJ Harvey etc. pp.) finde auch ich parallelen, wie die bereits erwähnte Miss li, aber auch ich höre manchmal Kate Bush, oder Tori Amos, denn Polly Scattergood versteht es wie sie Gefühl in die Stimme zu legen. Auch ein Joanna Newsom verdächtiges Quietschen wie in "Nitrogen Pink" gelingt er und auch der Klangfarbe von Kirstin Hersh entspricht ihre Stimme in bestimmten Passagen. Was wohl klar ist: man hört viel bereits bekanntes. Aber gerade die Menge und die Mischung dieses Bekannten macht es zu etwas komplett Neuem, Innovativem das mit Nichts wirklich zu vergleichen ist. Und damit ist der Musikerin mit ihrem Debut etwas gelunge, das nur sehr wenigen gelingt: Es ist abwechslungsreich, voll von Gefühlen und Verletzlichkeit, von elektronischen und klassischen, einfach voll von Neuem.

"If I had some elegance, some airs or grace" singt sie im "Poem Song" und zumindest ihr Album hat all das. Daher

Fünf von Fünf (imaginären) Sternen

Und ein Schmankerl zum Schluss:

#3 Neu auf den Ohren: Christine Fellows - Nevertheless

2009-03-18T14:25:00.001+01:00

Da sieht man mal wieder, was ein gutes CD-Cover alles ausmachen kann. Als ich mich neulich im Laden durch die Stapel wühlte, fiel mein Blick auf dieses Album. Und ich gebe es ja zu, auf eine schön aufgemachte Verpackung springe ich schnell an. Ich versuchte mir also, den Namen zu merken: Christine Fellows. Als ich zu Hause nach einigem Grübeln wieder darauf kam, hörte ich mir gleich im Internet das Album an, und: tadaa! – das Titelbild hat nicht zu viel versprochen. Zugegeben, Nevertheless ist schon aus dem Jahr 2007 und damit eigentlich keine Neuheit mehr. Aber, wie so oft, bleibt ja viele gute Musik unentdeckt.
Das Album beginnt rein instrumental, aber mit welch einer Vielfalt! Klavier, Xylophon, Geigen... schön! Stimmlich klingt Christine Fellows ein wenig wie Kristin Hersh, bleibt aber in ihren Kompositionen trotzdem deutlich zugänglicher. Innerhalb der Lieder ist eine unglaubliche Liebe zu Details herauszuhören, und so gilt es bei jedem neuen Durchlauf wieder und wieder etwas zu entdecken. So ist beispielsweise das Winseln eines Hundes eingestreut oder auch das Klicken einer Schreibmaschine im Hintergrund einer gesprochenen Passage. Abgerundet wird das Ganze von intelligenten Texten, melodischen Refrains und einem rhythmischen Klavier. Die dunkle Grundstimmung wird oft von fröhlichen Teilen durchbrochen. Langweilig wird es wegen der bereits erwähnten Detailfreude und vielen Tempowechseln innerhalb der einzelnen Titel nie.
Nevertheless ist neben Kompositionen für Filmsoundtracks bereits das vierte Album der 41-jährigen Kanadierin, in das ich mich schlichtweg verliebt habe. Übrigens bin ich noch am gleichen Mittag in den Laden zurück gegangen und habe es mir gekauft.

Meine Anspieltipps sind: Let Us Have Done With The Umbrella Of Our Contagion (Welch ein Titel!), Saturday Night On Utopia Parkway, The Spinster's Almanac und viele mehr.
Die Homepage von Christine Fellows mit dem vollen Album zum anhören: http://www.christinefellows.com/

**** von *****

#2 Neu auf den Ohren: Emmy the Great - first Love

2009-03-17T14:35:00.001+01:00

Okay zugegeben, so neu auf den Ohren ist Emmy the Great nicht mehr, denn das Release Date ihrer CD "First Love" war bereits Anfang Februar. Aber trotz allem verdient dieses Album, das definitv neu auf meinen Ohren ist, eine Review.
Vorwegnehmen muss ich folgende Regel die ich selbst austellte: ist das erste Lied eine CD richtig gut ist der Rest meist so lala oder gar schlecht. Oder eben anderstrum, ist der Beginn schlecht, dann ist der Rest meist überragend. Dies trifft sicher in 90% aller Fälle zu, nicht aber in diesem. Das wäre auch zu Schade. Auch der etwas flach wirkende Titel schafft es nicht diesem Album das Wasser zu reichen.
Das Album beginnt mit dem wirklich herausragenden "Absentee". Ein melodiöser, folkiger Song bester Qualität. schon hier ist klar: Toller Stimme. Gerne würde ich dieses jetzt vergleichen, doch mir fällt keine Stimme ein dich ich als Vergleich heranziehen kann. Man könnte emmy the Great schlicht als frisch bezeichen. Da es verlorene Liebesmüh ist eine Stimme zu beschreiben:

Was ihr soeben (hoffentlich) gehört habt war eine schöne Version eines weiteren Highlights dieses Albums: "City Song".
Zu Bemerken neben der sehr angenehmen Stimme die ebenso angenehmen Lyrics. Was bei "Absentee" beginnt setzt sich über das gemate Werk fort, mal ganz still und reduziert, dann wieder untermalt durch eine reichere Instrumentierung, melodiös, fröhlich, mitreisend und charmant. Von einem Highlight wird man so zum nächten geführt. Besonders hervorheben möchte ich noch den titelgebenden Song "First Love" der u.a. durch einen spannenden Reim" besicht: "Halleluja, Halleluja and the sky was so much bluer" und dessen Ende es schafft an Regina Spektor zu erinnern. So schafft die heute in London lebende Emma-Lee Moss etwas besonderes: ein Folk-Album ohne Abstürze, ohne Langeweile, ohne Durststrecken.

Daher:
Vier von Fünf (imaginären) Sternen

#1 Neu auf den Ohren: Yeah Yeah Yeahs - It's Blitz!

2009-03-11T16:50:00.002+01:00

Lange und freudig wurde das neue Yeah Yeah Yeahs Album "It's Blitz" erwartet. Das dritte Studioalbum der New Yorker Band der wartet tatsächlich mit neuen Tönen auf. Während der Vorgänger "Show Your Bones" von 2006 eher gemächlich, ja fast schon folkig daherkommt und "Fever to Tell" als rockig bezeichnet werden kann (zumindest von mir) schreit das neue Werk nach Aufmerksamkeit.
Elektronischer ist es, ja, aber noch viel mehr. Wie auch bei den Vorgängeralben ist dieses "mehr" auch hier vorallem durch die Stimme der Leadsängein Karen O begründet. Mal überschlagend, mal hauchend, aber ganz klar: immer sexy und immer typisch.

Auch das neusete Werk bietet Abwechslung. So erinnert etwas "Heads will Roll" an (die aktuelle) Madonna, phasenweise sind sogar Anklänge an Blondie zu hören ("Soft Shock") oder an Softcell, oder soll man grundsätzlich sagen: an die 80er Jahre? Nicht nur elektronischer ist es, es ist gleichzeitig auch tanzbarer, sogar etwas punkig, wie bei "Dull Live". Wer nun die langsameren Töne vermisst, auch hierfür ist gesorgt. So erinnern "Runaway" und "Hysteric" an Titel von "Show your Bones".

So bleibt am Schluss zu sagen: Ja es ist elektronischer, lauter, tanzbarer, schriller, aber trotz dem sind sich die Yeah Yeah Yeahs treu geblieben. Wer Karen O's Stimme verfallen ist, der wird auch hier wieder auf seine Kosten kommen. Und besonders bemerkenswert: einen "Totalausfall" gibt es auf diesem Album nicht, und das ist eher selten. Offen bleibt die Frage was dieses Albumcover soll...nichts desto trotz bekommt dieses Album

Vier von Fünf (imaginären) Sternen

#3 Konzert: Ghost Bees, München

2009-03-09T13:48:00.000+01:00

05.03.2009, Sunny Red, München

Wenn schon denn schon, dachte ich mir als ich mich nach nur 2 Tagen nach dem Emily Jane White Konzert abermals auf den Weg zum Feierwerk machte. Die Ghost Bees sielten im Sunny Red.

Von ihrer Debut-CD "Tasseomancy", die ich seit Monaten höre, beeindruckt und berührt freut ich mich sehr auf diesen Abend und hatte außerdem das Glück zwei Freunde zu Überzeugen mitzukommen, da ich befürchtete es könnten wenig Besucher werdem. Eine Befürchtung die sich übrigens bestätigte...gleich mehr.

Das Konzert war auf 8 uhr angesetzt. Schon beim Betreten des kleinen Raumes wurde uns aber gesagt, dass sich der Beginn verzögere, da die Ghost Bees erst vor wenigen Minuten eingetroffen sind. Machte aber nichts, denn 1) waren wir wirklich nur zu dritt und hofften auf größeren Andrang und 2) konnten wir so noch den Soundcheck (das wunderbare Lied "Sinai") anhören.

21 Uhr: wir waren immer noch zu dritt und Sup with Pluto aka Claudia eröffnete solo mit ihrer Gitarre. Über Musik, Stimmen etc lässt sich streiten, und obwohl ich von ihrer Stimme nicht begesitert war hat sie einen rießen Vorteil: viel Gefühl. Man merkte wieviel Herzblut in ihren folkigen Songs à la ani di Franco steckten und das berührte! Währenddessen waren zwei weitere Zuhörer eingetroffen. also immerhin zu fünft ;)

Bild von http://www.cbc.ca/radio2/

Gegen 21:30 Uhr war es dann endlich so weit: die Ghost Bees. Das kanadische Schwesternduo Sari und Romy sah nicht nur fantastisch aus, nein, ihre Musik war einfach sagenhaft. Ihre Stimmen harmonierten perfekt. Gitarre und Mandoline (schmacht) harmonierten ebenso gut. Von Aufregung oder der Tatsache das es ihr erster Auftritt in Europa war, war nichts zu spüren. Während sie in etwas über einer Stunde "Sinai", "Erl King", "Tasseomancy" sowie 4 mir unbekannte Songs spielten überredeten wir sie noch zu einer Zugabe. Nachdem Sari Romy überredete eine Zugabe zu spielen fragt sie: "Do you wanna hear a new song or a song about vampires?" Die Antwort war natürlich: "Both". Im Endeffekt wurde es dann "Vampires of the West Coast", den neuen Song fanden beide noch nicht fertig genug. Schade, aber man kann ja nicht alles haben.

Nach dem Konzert und dem signieren einer Cd die ich dort erstand verwickelten ich und meine beiden Konzertbegleiter die beiden Damen in ein Gespräch über den Erl King, und dessen Bedeutung.
"Wer reitet so spät durch Nacht und Wind Es ist der Vater mit deinem Kind", zitiere ich, denn mehr weiß ich nicht. Sari gefällts. Sie erzählen uns von ihrem gerade begonnen aufenthalt in Europa, ihrer Bestrebung den Schwarzwald zu sehen und ihrem Unwissen wie man die ganzen Orte an denen sie Auftreten nun ausspricht.

Gegen 23:20 Uhr endet so ein wunderbarer Abend der leider von viel zu wenigen Menschen geteilt wurde. Daher meine Bitte: geht zu ihren Konzerten wenn ihr könnt. Es lohnt sich und Spottbillig ist es auch!

13.Mrz.2009